ファッションの街・原宿に、本格的なモダンクラフトの宝庫が眠っていたとは！ そんな驚きを与えてくれるのが、明治通りに面したファッションとクラフトの複合ショップ「CPCM」です。「Crafts and Permaculture Country Mall」の名が示す通り、広大な2階フロアには、陶器、家具、照明、ラグなど、多種多様なアイテムが所狭しと飾られており、その品揃えで訪れるものを圧倒します。

カリフォルニアのモダンクラフトを中心にしながら、ヴィンテージ、日本からヨーロッパ、さらにはメキシコの民芸まで、時代も、洋の東西も問わず、集められた品々が並べられたさまはまるで博物館のよう。見たことのないさまざまなアイテムが不思議と調和する魅力的なコーナーをつくり出したのは、ディレクターである熊谷隆志さん。現在は、LAのインテリアショップ「ローソン・フェニング」の日本初となるポップアップ・ショップが開催されています。

「ローソン・フェニング」は、カリフォルニアの自然美とミッドセンチュリーのデザインを融合させたスタイルで人気を集めるインテリアショップ。もともと美術学校でデザインを学んだローソンとフェニングは、ヴィンテージにアレンジを加えた家具から出発したといいます。そのためか、彼らがデザインするオリジナルアイテムにはヴィンテージ感と現代的な香りがほどよく両立されています。さらにオリジナルに加えて扱うのが、カリフォルニアを中心としたデザイナーやアーティストの作品。

たとえば、有機的なフォルムが50年代のフランスの照明デザイナー、セルジュ・ムイユを彷彿とさせるジェイソン・コアリックの照明は、ポップな色使いがミッドセンチュリースタイルのアクセントにぴったり。プリミティブなテクスチャーと洗練されたフォルムのヘザー・ローゼンマンのセラミックは、サイドボードの上に飾るアートピースとしても存在感を放ちます。花びらをモチーフにしたメレディス・メットカフの陶器はサボテンや多肉植物の鉢カバーとして、購入する人も多いそう。こうした実用性だけでなく、自然や手仕事の温かさを感じるクラフトを手掛けるデザイナーや作家たちが、近年LA周辺に集まっているといいます。そうしたインディーなコミュニティの雰囲気がショップにも醸し出されています。

西海岸的モダンクラフトのショーケースの様相を呈しているCPCM。熊谷さんは年にひと月ほど海外を旅し、インスタグラムや現地のショップで知ったアーティストやデザイナーの作品を直接買い付けているといいます。その他にも店内イベントやアイテムの入荷により、ほぼ毎月レイアウトが変わるそう。西海岸の同時代のクラフトの動向と熊谷さん独自の関心をミックスし、タイムリーに反映した店づくりと言えるでしょう。

陶器のほかに力を入れているのは、インテリアトレンドとしても注目されるウォールハンギングです。熊谷さんの一押しだというボリューミーな白のタペストリーは、LAのエースホテルのロビーにも飾られているタニア・アギニガのもの。マクラメのプラントハンガーは、サンフランシスコのヴィンテージショップ「no shop」のオーナーによる手編みのものやヴィンテージのもの。空間を縦に使うアイテムは、インテリアのアクセントとなってリズムを生みます。こうしたあまり馴染みのないアイテムを取り入れる参考となるのが、店内のディスプレイ。流木を渡し、複数の長さを変えながら吊るし、壁面のデコレーションにしています。

ベースとなる陶器に合うものとして、イタリア・トスカーナの陶芸家、クリスチャン・ペロションのパステルカラーの陶器があったり、ミッドセンチュリーに連なる文脈として、イームズ邸でも使われていたモロッコのベニワレンのヴィンテージラグがあったり、さまざまなものがミックスして織りなす宝箱のような店内。用途が明確にあるわけではない、オブジェのようなクラフトは、なかなか買うきっかけがないもの。でも、西海岸のモダンクラフトには懐の深い大らかさがあって、そこにあるだけで、大地や自然を感じさせてくれます。それがいま求められる理由かもしれません。

欲しいものを買いに行くのではなく、なにが待っているかわからない、店での偶然の出合いにかける。旬のスタイリングが施されたディスプレイを巡りながら、自分の感性にしっくりくるものを探し出す。ネットショッピングでは味わえない、一期一会のマーケットのようなわくわく感が待っています。

一時期のようなブームも落ち着き、いまやスタンダードとなった感のある北欧家具。シンプルで温かみのあるデザインはどんなインテリアにもすっと馴染み、つくりの良さは空間を整えてくれます。そんな北欧ヴィンテージ家具を200坪という巨大な倉庫いっぱいに集めたショップが、神奈川県伊勢原市にあるtalo。豊富な品揃えと良心的な価格設定で、都内のインテリアショップも買い付けに訪れる名店です。

店主の山口太郎さんが北欧ヴィンテージの世界に足を踏み入れたきっかけは、留学中の友人を訪ねたフィンランド旅行。旅の途中、デザインの国を訪れた高揚感から、いきなり4～50万ものユーズド品をまとめ買いしてしまったといいます。しかし、いつまで待っても荷物は到着せず、数ヶ月後、直談判をしに再び現地に乗り込みます。すると、ヴィンテージショップのオーナーは悪びれる風でもなく、よく来たねと迎え入れ、ついまた追加でヴィンテージ品を買うことに。そうしてさらに待つこと半年、ようやく荷物は到着したのでした。

「いま思い返せば、初対面の相手が信用できるのか、様子を見ていた部分もあるのかもしれませんね。フィンランド人はなかなか打ち解けないけれど、一度関係ができると、親切で実直。そんなところにも惹かれて、北欧家具の輸入を始めました」

広大な倉庫にずらりと家具が積み上げられた店内。なかでもフィンランドの巨匠、アルヴァ・アアルトの家具が大きなスペースを占めています。アアルトは、山口さんがもっとも敬愛するデザイナーでもあります。

「アアルトのデザインは、これ以上そぎ落とすものがないというくらいシンプル。それでいて、8割くらいで作業を止めているかのように余白があって、窮屈じゃない。だから買った人の色に染まりやすいんでしょうね」

たとえば、1933年に発表された究極にシンプルなスツール60。来客のためのサブチェアとして、普段はスタッキングしておいても、サイドテーブルや踏み台にしてもいい。持ち主が自由な発想で、使いこなすことができます。病院や図書館など、パブリックスペースのためにデザインされた家具が多いため、接合部が少なく、丈夫で長持ちするのも特徴。そのため、多くはモダンデザインの傑作として、現在も発売されているロングセラー商品です。それでもあえてヴィンテージを選ぶメリットは何なのでしょう。

「現行品はキズや汚れが付きにくいよう塗装されているので、経年変化が少ない。使い込まれた飴色はヴィンテージならでは。それに、昔の方が手作業も多く、つくりが良い。少しずつ材質やかたちも変わっているので、ヴィンテージの方がデザイナーのオリジナルの意図に近いということもあります」

一方、端正な工芸品のような雰囲気をもつのが、デンマークの家具。キャビネットやビューローなどの箱物家具が充実し、揃った木目やなめらかな棚の収まりには美しさが宿ります。デンマークでは国家試験をパスしないと指物師の資格が取れないそう。それだけに職人の地位も技術レベルも高く、家具や住まいが大事にされる文化を感じます。

フィンランドの自分でも組み立てられる簡素な家具に対して、デンマーク家具はクラフツマンシップによる精緻なつくりが魅力。方向性は違えど、どちらも金属やプラスチックなどの新素材ではなく、木を中心としたデザインです。自然素材である木とモダンデザインが高度なレベルで融合した、希有な時代の遺産が北欧ヴィンテージ家具なのでしょう。その価値はブームを経ても下がることなく、年々値上がりしているといいます。「1920〜70年代というわずか50年間に生産された限られたものなので、だんだんモノが市場に出回らなくなっています」と山口さん。一時のファッションとしてではなく、飽きのこない定番として、受け入れられていることが伺えます。

最後に、ヴィンテージ家具の手入れについて聞いてみました。「気兼ねなく使って、半年に1度くらい、オイルを塗布すると良いですね。汚れは中性洗剤をスポンジで泡立てて洗い、その後しっかり水拭きをしてください」とのこと。不具合や破損には出張メンテナンスにも対応してくれるそう。きちんと手入れをして、雰囲気の良い家具に育てるのも、楽しみのひとつです。

現代の住宅に合うモダンなデザインでありながら、自然素材の心地良さややわらかさをあわせもった北欧の家具。同じ木の文化を持つ日本の住宅にも合い、過度に主張することのない控え目なデザインは他のアイテムともコーディネートしやすいものです。厳しい自然の中で、家の中の生活を大事にする北欧で育まれた家具は、暮らしに目を向ける現代の感性にフィットするのかもしれません。そうした現地のライフスタイルを受け継ぐヴィンテージ家具を、お店で探してみませんか。

魅力的な和食器はいまや迷うほどにありますが、洋食器でこれは！という出合いは限られてしまうもの。陶芸家が洋食器もつくる時代、ティーカップやディナープレートも作家もので良いのかもしれませんが、やわらかな陶器にカトラリーを合わせるのはちょっと抵抗があると思う人もいるはず。そんな時、ドイツのマルガレーテンヘーエ工房の器に出合いました。

シンプルで端正なフォルムに、艶やかで深みのある色合い。手にすると、しっかりと焼き締められた重みのある手取りで、肉料理を合わせても、炒め物や餃子のような料理を盛りつけても良さそう。マルガレーテンヘーエ工房は、1924年にバウハウスの影響下で設立されたドイツ最古の工房です。87年に、ディレクターに就任した李英才（リー・ヨンツェ）さんのもと、器のコレクションを立ち上げました。以来、約30年間色もかたちもほとんど変わらず、器をつくり続けています。その充実したラインアップが揃う企画展が、六本木のリビング・モティーフで開催中です。

ディレクターの李さんがコレクションを立ち上げた時になにより大切にしたのは、機能から生まれる形の美しさだと言います。丸、三角、四角の幾何学を出発点に、形は考えられました。ユニークなのは、その形のつくり方。絵に描いて指示するのではなく、サイズ、もととなる形だけを伝え、まず職人に20個ひいてもらい、その中から一番良いものを取り出し、その方向でさらに20個ひくという作業を繰り返したそう。これは、器のかたちはろくろをひく人の体から湧き上がってくるものでなければならないという李さんの信念に基づいたものです。こうして、バウハウスの理念を継承し、李さんのルーツである韓国のやきものにもつながる、シンプルで作為のない形は生まれました。

工房の器は2～3人の職人の手づくりによるもの。幾何学をもとにし、工房ラインとして作家性は抑える。けれども、職人の手によってひかれた豊かなボリュームをもち、ろくろ跡や釉薬の重なりという自然なゆらぎは残しています。その微妙なバランスが、西洋と東洋の両方の魅力を湛えた器となって、結実しています。

器に限らず、リビング・モティーフはキッチン&テーブルウェアを始めとしたインテリアアイテムを30年以上にわたり紹介し続けている老舗。六本木という場所柄、スタイリストや料理家などのプロも通う、洗練かつ充実した品揃えが特徴です。めずらしいアイテムへの目配りも行き届き、他にはない気の利いた一品が必ず見つかります。今回の取材で編集部が目をつけたのは、卓上スモーカー。ワインに合うチーズやベーコンの薫製が気軽につくれ、これからの季節、ホームパーティーやアウトドアにもぴったり。

時代に流されない、一本筋の通ったセレクトについて、プレスの小竹千景さんは「シンプルでコンテンポラリーなものが多いです。基本的なことですが、形だけでなく、道具としての機能性を重視しています」とのこと。男性客が多いというのも納得です。近隣の大使館員や駐在員など外国人客も多く、パーティー用にセットで買い求めたり、買い足しの需要もあり、常にある程度の在庫を確保しているそう。そのため、いわゆる作家ものの取り扱いは難しいといいます。

リビング・モティーフがマルガレーテンヘーエ工房の器を扱うのも、作家としての李さんの器ではなく、工房ラインとして安定して供給され、長年変わらないスタンダードだから、という理由があります。ずっと扱い続けるということは、使い心地についてスタッフに尋ねることができ、ひとつ気に入ったら買い足すこともできる。食卓を支える器を選ぶ際の信頼感や安心感につながります。

今回は、器の使い方の提案をしたいと、ポスタルコのデザイナー、マイク・エーブルソンさん、写真家の泊昭雄さん、エッセイストの平松洋子さんにオススメの使い方を聞いた冊子を配布しています。マイクさんは残り物やクッキーを入れるコンテナとして、蓋付きポットを選びました。泊さんは花器としてピッチャーを、平松さんはプレートに鮮やかな色の料理を合わせたり、ワンプレートとしてカップを重ねる使い方を提案。和食を入れても土っぽくならず、洋食を合わせても風情がある。現代の食卓にぴったりの器をまずは、店頭で触れてみてください。

うつわや木工などといった手工芸品。こうした少数だけどしっかりとつくられたものを望む声が、世界各地で高まっています。いまを暮らすわたしたちは、生活のなかに手仕事の温かみを取り入れることを本能的に欲しているのかもしれません。イギリスの「THE NEW CRAFTSMEN」もそうした、自国の伝統技術を生かしたクラフトをいまのライフスタイルに合ったかたちで提案するギャラリーショップのひとつです。

インテリアやアート、高級紳士服のバックグラウンドをもつ3人の創設者が、2012年に設立。いまでは80近い作家や職人、工房とネットワークをもち、若手アーティストとのコラボレーションやオリジナル作品を展開します。ロンドンの中心街、メイフェアに店を構える彼らがいま、イデーショップ東京ミッドタウン店でポップアップストアを開催中です。

「手仕事のぬくもりがありながら、モダンな要素もあり、オブジェのような佇まいが新鮮」

THE NEW CRAFTSMENの魅力を、今回のポップアップを企画したバイヤーの大島忠智さんはそう語ります。たとえば思わず触れたくなる、なめらかなレザーの背もたれを持つ椅子は家具デザイナーのガレス・ニールによるものです。これは伝統的なウィンザーチェアに、オークバーク（樫の木）タンニングという技法で1年かけてなめした切りっ放しのレザーを組み合わせたもの。日本のこけら葺きにインスパイアされたキャビネットは、表面の木肌を焼いて炭化させて、力強い存在感を醸し出します。時に過去を引用しながらも洗練されたデザインで、シープスキンやストロー（藁）といった素朴で古くから使われてきた素材の豊かなテクスチャーが引き出されたアイテムの数々。THE NEW CRAFTSMENは、貴重な伝統技術を用いたクラフトをアートのように扱い、キュレーションしていることがわかります。

「実際、ロンドンのショップはギャラリーのような雰囲気で、週末にはつくり手のワークショップやカクテルイベントが行われます。顧客はアートに触れるような感覚で、生活に取り入れているようです」

用の美に重きを置いた日本の工芸とはまた違う、希少なアートピースのような個性はクラフトのもつ新たな可能性をかい間見せてくれます。

今回、ポップアップの会場となったイデーショップ東京ミッドタウンは、ちょうどリニューアルしたばかり。その一環として、古物や廃棄されたモノの価値を再発見するプロジェクト「IDÉE GARAGE」も始まりました。併設するカフェの天井に吊るされているのは、食にまつわるヴィンテージツールを使ったユニークな照明。これは、アンティークショップ「リバーサイドファーム」のオーナーである古賀秀幸さんがリメイクしたもの。テラスのカフェにも、リサイクルによって蘇ったユニークな椅子がならびます。その他にも、ヴィンテージのキルトやアートなどの一点ものが店内を彩り、それらが家具とミックスされてスタイリング。店内をめぐると、テイストの異なる印象的なシーンが次々と現れます。

「いまは北欧やヴィンテージといった特定のスタイルよりも、自分が良いと思ったものを取り入れ、その人らしさがインテリアに表れる時代。そうしたものと出合うきっかけになる、ストーリーを伝えるアイテムやイベントを充実させています」と、大島さんは言います。

暮らしに新しいものを取り入れるなら、機能だけを満たすのではなくて、気持ちが豊かになるものがいい。それがこの連載の趣旨でもありますが、イギリスのクラフトブームを見ると世界に共通した心持ちのようです。けれども、クラフトの新しい価値を生活者に提案するためには、ものの説得力と、気持ちを後押ししてくれる魅力的な語りかけが大切ではないでしょうか。THE NEW CRAFTSMENの提案する、感性に彩られた暮らしから、手仕事のプリミティブな美しさを上質なアートに見立てた審美眼を感じます。

そうした思いをともにするからこそ、イデーは東京で彼らを紹介します。ミッドタウンのイデーは特にイベントを通じ、新しいインテリアの価値観を紹介し、他店とはまた少し違うユニークな提案や発信を強めているようです。店を訪れるたびに新しい暮らしのインスピレーションを得る。そんな風通しの良いハブのような店にこれからも注目です。

きれいに整った部屋……だけどそこになにか物足りなさを感じた時、植物を加えてみると部屋に生き生きとした気配が漂いはじめます。けれども、まめに世話できるかわからないとためらう人も多いのではないでしょうか。 今回は個性豊かな姿かたちに心動かされ、同じ空間にいると気になって日々眺めてしまうような植物を紹介します。

傷がついていたり、途中で枯れかかったり、それでも生き抜いてきたたくましい多肉植物やサボテンたち。そうした個性ある植物を、その魅力を引き立てる器とともに提案するのが、「叢（くさむら）」の小田康平さんです。小田さんは陶芸家がつくる器を鉢に用いた提案も多く、現在は陶芸家の寒川義雄さんとコラボレーションした展示会『叢 - 器を纏う - 』をシボネ青山にて開催中です。

同じ広島を拠点にする小田さんと寒川さん。以前から花器も制作し、自身でも花を活ける寒川さんが、小田さんのアーティスティックな新しい植物の提案に興味をもったことから、2人のコラボレーションはスタートしました。植物と鉢とのコーディネートに定評のある叢ですが、「普段、僕の意識のなかで鉢のウェイトは1％くらい。植物の足を引っ張らない色やかたちの植木鉢を探してきます。それが陶芸家とコラボレーションするときは植物と鉢のバランスは50:50くらいになる」と小田さんは言います。

今回は寒川さんの鋭利で繊細な器に対し、トゲが特徴的なサボテンを多く選んだとのこと。マットなテクスチャーの器が、乾いた地域を原産とするサボテンの背景を引き立てます。またシャープでモダンなフォルムで植物たちの豊かな個性はさらに高まり、それぞれが自らのキャラクターを主張しはじめるかのようです。

そんな植物たちを眺めながら寒川さんは、「植物と鉢の組み合わせは、料理の盛りつけに近いのかも。自分の器が別の表情になるのがおもしろい」と小田さんのセレクトには抜群の信頼を寄せます。今回の鉢合わせはすべて小田さんによるもの。多種多様な器で、植物の魅力をより強く引き出していきます。たとえば、表皮が枯れて色が抜けた株元に見どころがある個体には口が広がった器を合わせて、見どころとなる背景をつくります。また、丈のある植物には高さがある鉢を合わせることでバランスを見ます。

今回の展示では、照明器具や陶板など、植物を部屋に飾るためのしつらい道具もともに提案されています。小田さんが「Kekkai」と呼んでいる照明具は、もともと窓がない室内でも光合成ができるよう、木製のフレームに照明を仕込んだものです。植物に直線的に光が当たるよう設計されているため、夜になるとまるでショーケースに入ったアートピースのように、美しく浮かび上がります。

「本当は白いすっきりした空間に植物をぽつんと置くのがかっこいいけれど、家ではなかなか難しい（笑）。でも夜、照明を落として、これだけを灯すと雑多な背景が消える。それを眺めながら、植物や空間を楽しめたら最高です」

また、鉢の下に敷く陶板も寒川さんが制作。花を活ける時に板を敷くのと同じように、陶板を取り入れ、鉢とのコーディネートを考えるのも楽しそうです。板は古材を用いる感覚で、オブジェやヒビの入った陶板を転用。「食器と違い、縛りがなく自由な感覚で遊べたのが楽しかった」と寒川さんは手応えを語ります。

植物を入れる鉢にこだわるのも、飾るための道具に気をつかうのも、ともに暮らす植物に目を向けて欲しいからこそ。「買った時が一番ではなく、生き生きと生長するさまを愛でてほしい」と小田さんは言います。そのためには、光と風と温度がある植物にとって良い環境に置き、適切に管理することが大切。小田さんは植物の見せ方の提案にまで踏み込むことで、管理する人の関心を高めようとしているのです。

「叢」のお客さんには、「うちの子」と呼んでかわいがる人も多いのだとか。確かに、個々にまつわるストーリーを聞き、ぴったりあつらえた衣服のような器に仕立てられた植物と暮らしていたら、愛着もひとしおでしょう。インテリアのいち要素として捉えるのではなく、それくらい佇まいが気に入った植物を選び、一緒に暮らということに植物の魅力があります。手をかけ、愛情をかけることで、生き物としての植物の生命力に気づく。それが植物と暮らす醍醐味なのではないでしょうか。