魅力的な和食器はいまや迷うほどにありますが、洋食器でこれは！という出合いは限られてしまうもの。陶芸家が洋食器もつくる時代、ティーカップやディナープレートも作家もので良いのかもしれませんが、やわらかな陶器にカトラリーを合わせるのはちょっと抵抗があると思う人もいるはず。そんな時、ドイツのマルガレーテンヘーエ工房の器に出合いました。

シンプルで端正なフォルムに、艶やかで深みのある色合い。手にすると、しっかりと焼き締められた重みのある手取りで、肉料理を合わせても、炒め物や餃子のような料理を盛りつけても良さそう。マルガレーテンヘーエ工房は、1924年にバウハウスの影響下で設立されたドイツ最古の工房です。87年に、ディレクターに就任した李英才（リー・ヨンツェ）さんのもと、器のコレクションを立ち上げました。以来、約30年間色もかたちもほとんど変わらず、器をつくり続けています。その充実したラインアップが揃う企画展が、六本木のリビング・モティーフで開催中です。

ディレクターの李さんがコレクションを立ち上げた時になにより大切にしたのは、機能から生まれる形の美しさだと言います。丸、三角、四角の幾何学を出発点に、形は考えられました。ユニークなのは、その形のつくり方。絵に描いて指示するのではなく、サイズ、もととなる形だけを伝え、まず職人に20個ひいてもらい、その中から一番良いものを取り出し、その方向でさらに20個ひくという作業を繰り返したそう。これは、器のかたちはろくろをひく人の体から湧き上がってくるものでなければならないという李さんの信念に基づいたものです。こうして、バウハウスの理念を継承し、李さんのルーツである韓国のやきものにもつながる、シンプルで作為のない形は生まれました。

工房の器は2～3人の職人の手づくりによるもの。幾何学をもとにし、工房ラインとして作家性は抑える。けれども、職人の手によってひかれた豊かなボリュームをもち、ろくろ跡や釉薬の重なりという自然なゆらぎは残しています。その微妙なバランスが、西洋と東洋の両方の魅力を湛えた器となって、結実しています。

器に限らず、リビング・モティーフはキッチン&テーブルウェアを始めとしたインテリアアイテムを30年以上にわたり紹介し続けている老舗。六本木という場所柄、スタイリストや料理家などのプロも通う、洗練かつ充実した品揃えが特徴です。めずらしいアイテムへの目配りも行き届き、他にはない気の利いた一品が必ず見つかります。今回の取材で編集部が目をつけたのは、卓上スモーカー。ワインに合うチーズやベーコンの薫製が気軽につくれ、これからの季節、ホームパーティーやアウトドアにもぴったり。

時代に流されない、一本筋の通ったセレクトについて、プレスの小竹千景さんは「シンプルでコンテンポラリーなものが多いです。基本的なことですが、形だけでなく、道具としての機能性を重視しています」とのこと。男性客が多いというのも納得です。近隣の大使館員や駐在員など外国人客も多く、パーティー用にセットで買い求めたり、買い足しの需要もあり、常にある程度の在庫を確保しているそう。そのため、いわゆる作家ものの取り扱いは難しいといいます。

リビング・モティーフがマルガレーテンヘーエ工房の器を扱うのも、作家としての李さんの器ではなく、工房ラインとして安定して供給され、長年変わらないスタンダードだから、という理由があります。ずっと扱い続けるということは、使い心地についてスタッフに尋ねることができ、ひとつ気に入ったら買い足すこともできる。食卓を支える器を選ぶ際の信頼感や安心感につながります。

今回は、器の使い方の提案をしたいと、ポスタルコのデザイナー、マイク・エーブルソンさん、写真家の泊昭雄さん、エッセイストの平松洋子さんにオススメの使い方を聞いた冊子を配布しています。マイクさんは残り物やクッキーを入れるコンテナとして、蓋付きポットを選びました。泊さんは花器としてピッチャーを、平松さんはプレートに鮮やかな色の料理を合わせたり、ワンプレートとしてカップを重ねる使い方を提案。和食を入れても土っぽくならず、洋食を合わせても風情がある。現代の食卓にぴったりの器をまずは、店頭で触れてみてください。

うつわや木工などといった手工芸品。こうした少数だけどしっかりとつくられたものを望む声が、世界各地で高まっています。いまを暮らすわたしたちは、生活のなかに手仕事の温かみを取り入れることを本能的に欲しているのかもしれません。イギリスの「THE NEW CRAFTSMEN」もそうした、自国の伝統技術を生かしたクラフトをいまのライフスタイルに合ったかたちで提案するギャラリーショップのひとつです。

インテリアやアート、高級紳士服のバックグラウンドをもつ3人の創設者が、2012年に設立。いまでは80近い作家や職人、工房とネットワークをもち、若手アーティストとのコラボレーションやオリジナル作品を展開します。ロンドンの中心街、メイフェアに店を構える彼らがいま、イデーショップ東京ミッドタウン店でポップアップストアを開催中です。

「手仕事のぬくもりがありながら、モダンな要素もあり、オブジェのような佇まいが新鮮」

THE NEW CRAFTSMENの魅力を、今回のポップアップを企画したバイヤーの大島忠智さんはそう語ります。たとえば思わず触れたくなる、なめらかなレザーの背もたれを持つ椅子は家具デザイナーのガレス・ニールによるものです。これは伝統的なウィンザーチェアに、オークバーク（樫の木）タンニングという技法で1年かけてなめした切りっ放しのレザーを組み合わせたもの。日本のこけら葺きにインスパイアされたキャビネットは、表面の木肌を焼いて炭化させて、力強い存在感を醸し出します。時に過去を引用しながらも洗練されたデザインで、シープスキンやストロー（藁）といった素朴で古くから使われてきた素材の豊かなテクスチャーが引き出されたアイテムの数々。THE NEW CRAFTSMENは、貴重な伝統技術を用いたクラフトをアートのように扱い、キュレーションしていることがわかります。

「実際、ロンドンのショップはギャラリーのような雰囲気で、週末にはつくり手のワークショップやカクテルイベントが行われます。顧客はアートに触れるような感覚で、生活に取り入れているようです」

用の美に重きを置いた日本の工芸とはまた違う、希少なアートピースのような個性はクラフトのもつ新たな可能性をかい間見せてくれます。

今回、ポップアップの会場となったイデーショップ東京ミッドタウンは、ちょうどリニューアルしたばかり。その一環として、古物や廃棄されたモノの価値を再発見するプロジェクト「IDÉE GARAGE」も始まりました。併設するカフェの天井に吊るされているのは、食にまつわるヴィンテージツールを使ったユニークな照明。これは、アンティークショップ「リバーサイドファーム」のオーナーである古賀秀幸さんがリメイクしたもの。テラスのカフェにも、リサイクルによって蘇ったユニークな椅子がならびます。その他にも、ヴィンテージのキルトやアートなどの一点ものが店内を彩り、それらが家具とミックスされてスタイリング。店内をめぐると、テイストの異なる印象的なシーンが次々と現れます。

「いまは北欧やヴィンテージといった特定のスタイルよりも、自分が良いと思ったものを取り入れ、その人らしさがインテリアに表れる時代。そうしたものと出合うきっかけになる、ストーリーを伝えるアイテムやイベントを充実させています」と、大島さんは言います。

暮らしに新しいものを取り入れるなら、機能だけを満たすのではなくて、気持ちが豊かになるものがいい。それがこの連載の趣旨でもありますが、イギリスのクラフトブームを見ると世界に共通した心持ちのようです。けれども、クラフトの新しい価値を生活者に提案するためには、ものの説得力と、気持ちを後押ししてくれる魅力的な語りかけが大切ではないでしょうか。THE NEW CRAFTSMENの提案する、感性に彩られた暮らしから、手仕事のプリミティブな美しさを上質なアートに見立てた審美眼を感じます。

そうした思いをともにするからこそ、イデーは東京で彼らを紹介します。ミッドタウンのイデーは特にイベントを通じ、新しいインテリアの価値観を紹介し、他店とはまた少し違うユニークな提案や発信を強めているようです。店を訪れるたびに新しい暮らしのインスピレーションを得る。そんな風通しの良いハブのような店にこれからも注目です。

きれいに整った部屋……だけどそこになにか物足りなさを感じた時、植物を加えてみると部屋に生き生きとした気配が漂いはじめます。けれども、まめに世話できるかわからないとためらう人も多いのではないでしょうか。 今回は個性豊かな姿かたちに心動かされ、同じ空間にいると気になって日々眺めてしまうような植物を紹介します。

傷がついていたり、途中で枯れかかったり、それでも生き抜いてきたたくましい多肉植物やサボテンたち。そうした個性ある植物を、その魅力を引き立てる器とともに提案するのが、「叢（くさむら）」の小田康平さんです。小田さんは陶芸家がつくる器を鉢に用いた提案も多く、現在は陶芸家の寒川義雄さんとコラボレーションした展示会『叢 - 器を纏う - 』をシボネ青山にて開催中です。

同じ広島を拠点にする小田さんと寒川さん。以前から花器も制作し、自身でも花を活ける寒川さんが、小田さんのアーティスティックな新しい植物の提案に興味をもったことから、2人のコラボレーションはスタートしました。植物と鉢とのコーディネートに定評のある叢ですが、「普段、僕の意識のなかで鉢のウェイトは1％くらい。植物の足を引っ張らない色やかたちの植木鉢を探してきます。それが陶芸家とコラボレーションするときは植物と鉢のバランスは50:50くらいになる」と小田さんは言います。

今回は寒川さんの鋭利で繊細な器に対し、トゲが特徴的なサボテンを多く選んだとのこと。マットなテクスチャーの器が、乾いた地域を原産とするサボテンの背景を引き立てます。またシャープでモダンなフォルムで植物たちの豊かな個性はさらに高まり、それぞれが自らのキャラクターを主張しはじめるかのようです。

そんな植物たちを眺めながら寒川さんは、「植物と鉢の組み合わせは、料理の盛りつけに近いのかも。自分の器が別の表情になるのがおもしろい」と小田さんのセレクトには抜群の信頼を寄せます。今回の鉢合わせはすべて小田さんによるもの。多種多様な器で、植物の魅力をより強く引き出していきます。たとえば、表皮が枯れて色が抜けた株元に見どころがある個体には口が広がった器を合わせて、見どころとなる背景をつくります。また、丈のある植物には高さがある鉢を合わせることでバランスを見ます。

今回の展示では、照明器具や陶板など、植物を部屋に飾るためのしつらい道具もともに提案されています。小田さんが「Kekkai」と呼んでいる照明具は、もともと窓がない室内でも光合成ができるよう、木製のフレームに照明を仕込んだものです。植物に直線的に光が当たるよう設計されているため、夜になるとまるでショーケースに入ったアートピースのように、美しく浮かび上がります。

「本当は白いすっきりした空間に植物をぽつんと置くのがかっこいいけれど、家ではなかなか難しい（笑）。でも夜、照明を落として、これだけを灯すと雑多な背景が消える。それを眺めながら、植物や空間を楽しめたら最高です」

また、鉢の下に敷く陶板も寒川さんが制作。花を活ける時に板を敷くのと同じように、陶板を取り入れ、鉢とのコーディネートを考えるのも楽しそうです。板は古材を用いる感覚で、オブジェやヒビの入った陶板を転用。「食器と違い、縛りがなく自由な感覚で遊べたのが楽しかった」と寒川さんは手応えを語ります。

植物を入れる鉢にこだわるのも、飾るための道具に気をつかうのも、ともに暮らす植物に目を向けて欲しいからこそ。「買った時が一番ではなく、生き生きと生長するさまを愛でてほしい」と小田さんは言います。そのためには、光と風と温度がある植物にとって良い環境に置き、適切に管理することが大切。小田さんは植物の見せ方の提案にまで踏み込むことで、管理する人の関心を高めようとしているのです。

「叢」のお客さんには、「うちの子」と呼んでかわいがる人も多いのだとか。確かに、個々にまつわるストーリーを聞き、ぴったりあつらえた衣服のような器に仕立てられた植物と暮らしていたら、愛着もひとしおでしょう。インテリアのいち要素として捉えるのではなく、それくらい佇まいが気に入った植物を選び、一緒に暮らということに植物の魅力があります。手をかけ、愛情をかけることで、生き物としての植物の生命力に気づく。それが植物と暮らす醍醐味なのではないでしょうか。

汗ばむ盛夏になると、家のなかのラグの素材感が気になります。素足でさらりと歩きたくなるものがほしい。そう思っていた時に、横浜のインテリアショップ「black&white」でオーガニックコットンのラグに出会いました。縦糸にリネンを使い、コットンの横糸をしっかりと打ち込んでいる平織りのラグは、薄手で清涼感のある表情をもちます。軽やかなのでダイニングテーブルの下に敷く大判タイプでも扱いやすいのが特長です。

このラグは、スウェーデンのリーナ・ゼディとマーカス・オーレンの二人が立ち上げたデザインユニット「OYYO」が、インドの伝統的なラグ「ダーリ」の伝統技法を用いるラジャスタンの職人とつくったものです。black&whiteオーナーの福泉寛史さんは、「光を受けた時の色の美しさを楽しんだり、空間に景色をつくれるのがラグの良さ。OYYOのラグは薄手なので、敷いたままではなく、気分で動かしながら使ってほしいです」と言います。

OYYOのラグの魅力は、なんといっても植物の染料で先染めしたオーガニックコットンの色にあります。そしてグラフィカルなパターンは、インドの伝統的なパターンはもちろん、なんとバウハウスの時代のデザインを落とし込んだものといいます。そのためか、現代のインテリアにふさわしい表情をもちます。ニュアンスのある独特の配色と幾何学模様は飽きることがなく、木製の家具にもモダンなアイテムにも寄り添ってくれそうです。ちなみに、いまのところOYYOのラグコレクションを店頭で複数紹介しているのは、国内ではblack&whiteのみ。カタログやウェブ上ではわからない素材感や発色の美しさを確かめに、都内から店を訪ねてくる人も多いそうです。

福泉さんはプロダクトとしてのラグの魅力を感じ、直接OYYOにコンタクトをとって日本での取り扱いをスタートしました。交流を重ねるうちに、彼らがプロダクトとして魅力ある形をつくっただけでなく、生産のプロセスにも大きく関わっていることを知ります。

「優れた技術をもった織り手を支え、また化学的な負荷を環境にかけずに生産された素材やプロセスを選ぶことで、ラグを買う人もつくり手も生活が整っていくようなデザインを目指している。社会的なアプローチのプロジェクトだと気付きました」

店内には、福泉さんが“男前なデザイン”と評するポーリーン・デルトゥアはじめ、クリスチャン・メンデルツマ、マルティーノ・ガンパー、ピート・ヘイン・イーク、そしてブルレック兄弟らのプロダクトが、彼のフィルターを通してセレクトされています。現代に活躍するデザイナーが中心とはいえ、black&whiteにはここでしか感じることのできない“もの”の風景があります。それはデザイナーの考え方に共感したり、コンセプチャルな取り組みに惹かれたりしたことをストレートに表現するスタンスを福泉さんが大切にしているからではないでしょうか。

なかでも注目したいのは、OYYOのように社会的な取り組みをデザインに落とし込んだプロダクトです。たとえばリネンを原料の産地から加工方法までリサーチしているメンデルツマの「フラックスプロジェクト」もそのひとつ。また、ぺぺ・ハイコープの「ペーパーベースカバー」も福泉さんが大切にするアイテムで、使用済みのプラスチックボトルを花瓶として再利用するプロダクトであり、カバーの製造をインドのスラム街に住む人々に依頼し、貧困から脱却させることを目指す「Tiny Miracles FOUNDATION」の一環になっています。

2011年にオープンしたblack&whiteの店名は、照明から生まれる「光と闇」に由来するそうです。店内にはフロスのカスティリオーニの照明器具の中でも、ウィットに富むデザインでありながら、インテリアを豊かな光で満たすものをセレクトしています。

「もともと家具や雑貨のバイヤーを長年務めてきましたが、インテリアの中でテクニカルな領域だった照明器具についてきちんとお客様に説明したくなって、独立前に照明業界で勉強したんです。店を始める時も、大好きなアキッレ・カスティリオーニの照明器具を軸にインテリアアイテムを増やしていきました」

中華街も至近なことから周辺には駐車場も多く、地下鉄の駅からもアクセスしやすいところに立地しています。横浜散策の折にぜひ訪ねてみてください。家具から手に取りやすいテーブルウエアまで、福泉さんがこのデザイナーは！ との思い入れのあるアイテムのユニークさと、その背景に流れるストーリーの密度にきっと満足するはずです。

ファッションブランド「ミナ ペルホネン」のデザイナー・皆川明さんが、東京・青山のスパイラルビル5階に「call」をオープンしました。ファッションアイテムやオリジナルファブリックはもちろん、暮らしを豊かに彩る工芸品の比重がぐっと高まり、食材も扱うなど、より生活全般へと目を向けた新しいショップになっています。

これまでミナ ペルホネンでは、店舗の基本設計から素材選びや什器に至るまで、皆川さんが細やかに目を向けてきたといいます。しかしここは、皆川さんがいままで交流を重ねてきたクリエイターや作家とともにつくりあげた場。たとえば空間設計は、ランドスケーププロダクツの中原慎一郎さんに期待をこめてお任せしました。自身がファッションを表現するうえで、アートや工芸などの作家にインスパイアされることも多く、素晴らしいつくり手との交流を表現する場をもちたいと長年思い続けていた皆川さん。それを実現させた「call」という店名には、そのような人たちとつながりながらみんなで店をつくっていく“creation all”という意味と、皆川さんが共感するものづくりをする仲間を呼び寄せるというメッセージが込められています。

女性に向けたアイテムが中心のミナ ペルホネンにフェミニンな印象をもつ人も多いかもしれませんが、「call」には陶芸・木工・金工作家の作品をはじめ、男女問わず魅了される古今東西のアートピースやアンティーク、暮らしの道具が集められています。

服が並ぶメインフロアに足を踏み入れて、真っ先に目に飛び込んでくるのは冒頭の写真にあるシャンデリア。ガラス一枚一枚の表情とどこかアールデコを思わせる重厚さが新鮮な、ガラス作家・辻和美さんによる作品です。その下にはスウェーデン製のアンティークのコーヒーテーブルが。アノニマスなものと作家の作品、そして国境や時代もボーダレスなアイテムの連なりに目を奪われます。あらゆる要素が混在しながらも不思議な一体感のある店内に、ミナ ペルホネンというブランドのものづくりを通して、暮らしを豊かに彩るものを追求してきた皆川さんの審美眼が、すみずみまで通っていることにあらためて気づきます。

ドイツ製の一点もののペーパーナイフや、ネジも溶接もしない職人の仕事が光るヴェネツィアの眼鏡店「micromega」のアイウエアなど、作家性や工芸的な性格をもつヨーロッパのものの一部は、皆川さんが親しくしてきたベルリン在住のキュレーターが買い付けてきたものといいます。そして、伝統的な技法で製造されているドイツ製のカヌーがディスプレイされたコーナーは、男性にとって遊び心をくすぐられる一角ではないでしょうか。その下にさりげなく置かれたガラスブリックもル・コルビュジエの建築に使われたギュスタフ・ファルコニエの作品で、工芸的な表情がインテリアオブジェとして魅力を放ちそうです。

ヴェネツィアのマーブルペーパーで装飾したノートと鉛筆は、皆川さん自身が旅先で出会ったアイテムの一部とか。ものの背景をひとつひとつ聞いていると、ストーリーを引き継ぐことがものを手にする喜びの一部であることをより強く感じます。

皆川さんが長年交流してきた木工家・三谷龍二さんと陶芸家・安藤雅信さんには、オブジェやアートピースなど一点ものを中心に参加してもらったといいます。ほかにも、沖縄の風土を表す力強い作風で知られる陶芸家・大嶺實清（おおみねじっせい）さんや、木の個性を引き出す鹿児島の木工家・盛永省治さんなど、男性にも人気の実力派作家の大作や逸品を手にすることができるのも、特筆すべき点でしょう。

日常づかいの器も充実していて、皆川さんが提案した3種類のモチーフをイタリアの職人がダークブルーで絵付けした、リチャード ジノリのミナ ペルホネン限定シリーズや、ジオ・ポンティがデザインしたカトラリー、そしてミナ ペルホネンオリジナルのプロダクトも揃います。ジノリの器では、職人の手がまだ慣れていない朝一番に描くことを皆川さんから工場に依頼しているとか。長年信頼関係を築いてきたからこそ、プロセスから相談できる。これ以外にもcallに並ぶものの魅力の背景には、人と人とのつながりと緻密な手仕事のストーリーが流れているものが少なくありません。

めくるめくものづくりとものがたりの世界を体感したら、カフェ「家と庭」で一服しましょう。ここでも、ハギレを生かしてプロダクトを生み出すなど、皆川さんが生産のプロセスで大切にしている姿勢が投影されています。例えばメニューにスープを採用しているのは、野菜の見栄えが悪くても生かせることや、半端が出てもスープストックとして素材を活かしきれるから。ちなみに、家と庭で供されるスープの素材である野菜や調味料は、供するコーヒーやナチュラルワインとともにショップで販売しています。

カフェを出たらオリジナルモチーフ“tambourine”を写した多治見焼のタイルを施工した壁やオリジナルカーペット、そしてストックホルム在住のイラストレーターでグラフィックデザイナーのヘニング・トロールベックさんによるエレベーターホールの壁画など、こだわり抜いた空間のディテールも見逃さないよう！　新しいものづくりの殿堂の揺るぎない力に、ぜひ触れてみてください。