ドアを開け閉めする。照明を点灯・消灯する。どちらの行為も日々幾度となく繰り返しながら私たちは生活しています。今回は、毎日触れるドアのレバーハンドルやスイッチプレートといった「建築金物」に注目しました。

その響きだけで、ちょっと硬くて地味な存在に思われるかもしれませんが、室内空間ではとても重要なアイコン。ビジュアルだけでなく肌感覚にも訴えるこれらアイテムへの愛着は、アンティークや骨董好きの方にはおなじみかもしれません。長年大切に使われた金属や陶製のプレートを手にすると、味わいが深まってゆく素材を身近に使うことがうれしくなるもの。こうした「素材を育てること」を目指す国産建築金物シリーズが、「MATUREWARE」です。建築金物を意味する「hardware」の"hard"を、熟成を意味する"mature"に置き換えた造語で、経年変化を楽しんでほしいとの思いが込められています。

このMATUREWAREは、富山県高岡市の鋳物メーカー、二上による真鍮鋳肌の仕上げを特徴とした新ブランドです。レバーハンドル、スイッチプレート、ネームプレート、そして棚受け金具などをラインアップ。精密な金属加工技術をもつ同社のブランド、FUTAGAMIのテーブルウエアは本誌でも何度かご紹介しており、ご存知の方も多いかもしれません。

やわらかな真鍮の色合いや味わいを生かした栓抜きや鍋敷きなど、生活に根ざしたものづくりはやがて、照明器具といったインテリアのアイテムへと製造の幅を広げていきました。そして、ついにたどりついたのが建築金物なのです。建材としての強度や鋳物の金型などを試行錯誤し、製品化にこぎつけた力作。そこには、建築金物の分野で鋳物の可能性を広げ、独自の生産技術を次世代につなげていきたい、という思いもありました。

こうしたプロダクトに触れることができるのが、東神田のギャラリー兼ショップ「組む 東京」です。オーナーの小沼のりこさんはMATUREWAREに注目し、ショップ内の至るところに商品を実際に取り付けて販売します。

「組むでは生活空間を整えること、特に毎日触れるものを大切にしてもらいたい、という思いでアイテムをセレクトしています。使うことで日々育てていけるMATUREWAREは、私たちらしいアイテムだと感じています」

店内のレバーハンドルやスイッチプレートは無垢ならではのソリッドな安心感があり、ドアを閉めたりスイッチを操作したときの感触や、カチャッという響きにぐっとくる客も多いとか。ひとつひとつ個性のある鋳物の肌や、幾何学のフォルムを取り入れたデザイン、そしてマイナスネジにこだわったつくりからは、どこか懐かしさを感じます。

ヒンジやタオル掛けなどちょっとした作業で取り付けられる金物はよく見かけますが、ギャラリーとして本格的な建築金物を扱うのは珍しいかもしれません。それというのも建築金物は、レバーハンドルなら、扉の素材、留め金、鍵の位置やデザイン、そして蝶番の素材との取り合わせなど、さまざまな状況を把握して販売する必要があるからです。しかし小沼さんはもともと建材メーカーのデザインディレクターだったため、エンドユーザーに適切なアドバイスができるのです。

MATUREWAREの店頭在庫がない場合は、およそ１ヶ月ほどの余裕をもって発注してほしいとのこと。長く使いながら変化を楽しんでいけるアイテムですから、まずは実際に手で触れて感触を確かめたり、色合いやデザインを吟味するなど、選ぶプロセスも楽しんでみてはいかがでしょうか。

東京でも蔵前や馬喰町をはじめ、イーストトーキョーといわれるエリアの中にある「組む 東京」。天井が高く、自然光が回る広々とした気持ちの良い1階の店舗では、FUTAGAMIやMATUREWAREのソリッドなアイテム以外にも、大治さんがデザインで関わる有田のブランド「Jicon」や旭川の高橋工芸の木の器など、日常づかいのアイテムがそろいます。ワークショップやイベント時に解放する2階にMATUREWAREが展示されているので、ひと声かけてみましょう。

この建物は小沼さんの曾祖父母が大八車を商っていた頃から、受け継がれてきた場所。古くは市場のあった日本橋も徒歩圏内、問屋街のにぎわいを見せる下町・東神田がルーツの小沼さんにとって、「人と人、人とものを結ぶこと、組み合わせること」は、建材メーカーやギャラリーの運営でも心がけてきたことでした。そのコンセプトを店名とした「組む 東京」は、小沼さんに縁のあるクリエイターや作家による企画展の開催や、プロジェクトの紹介をしながら、訪れた人にも新たな縁を結んでもらえるような場として育っています。東京の東側を散策する際、訪れたい場所のひとつです。

軽やかな色やモチーフを食卓に取り入れたくなる季節。気持ちの上でも春を先取りする、そんな食器を今回は紹介します。一面に花が描かれたペールカラーのプレートは、器作家のイイホシユミコさんと、陶芸作家・アーティストの鹿児島睦さんによる共作「フローロ」。ゆるやかな曲面を持つ変形プレートは、素直に食卓を彩る皿としてはもちろん、絵皿として飾ったり、またはアクセサリーや時計などを置いたり、食卓や空間のアクセントとして特別な存在感を放ちます。器好きのみならず、多くのファンから支持されるふたりによるこの器は本日3月2日から、まずは伊勢丹 新宿店から先行発売されます。

東京を拠点とするイイホシさんが、福岡拠点の鹿児島さんと出会ったのは、2年前に福岡で個展を開催したときのこと。器という共通のアイテムに取組んできたふたりは、いっしょにものづくりをすることで意気投合し、このプロジェクトがスタートしたそうです。九州の窯業地・有田を舞台に、ふたりの仕事はどのように進んだのでしょうか？

イイホシさんと鹿児島さんが口を揃えるのは、制作のプロセスで互いにまったくストレスがなかったということ。職人さんやスタッフに恵まれた素晴らしいチームで、良いものづくりをすることができた、という充実感を共通してもっていました。

イイホシさんは産地にデザインを提案し、量産するものづくりをディレクションするスタイルをとっています。そのプロセスでは常に手づくりのあたたかみが感じられるような器の表情を大切にしてきました。今回のプロジェクトでプレートの形状は、量産のプロセスや各工場の得意分野を熟知するイイホシさんが担当。図案を担当した鹿児島さんは、「イイホシさんのシンプルで美しい造形をできるだけ生かすために、いわゆる転写やプリントではなく、器そのものや釉薬と図案が一体になるように」考えたといいます。ふたりは鹿児島さんの自由なドローイングの味わいを生かすために、磁土を流し込む石膏の鋳込み型に直接図案を彫り込んで、プレート上に表現する“レリーフ”という技法を選びました。

イイホシさんはプレートに高台をつけて、控えめながら存在感のある形状にデザインしました。「鋳込み型をつくる際、磁土を均一に流すためにさまざまな調整が必要で、職人さんの協力なしにはできませんでした」と振り返ります。そうしてできあがった型に、レリーフを一発勝負のフリーハンドで描いた鹿児島さん。この時の心境を、“失敗を許されない、緊張感を楽しんでミッションをこなすエージェント”になった気持ちだったと表現します。

実は鹿児島さん、紙にラフスケッチをたくさん描いて本番に臨んだものの、実際に描いたものはモチーフも構成もラフとはまったく異なるものになったとか。型に図案を彫る作業は立体造形をつくる感覚に近く、平面の表現とはモードを切り替える必要があったそう。「使う人が楽しい気持ちになるように」という鹿児島さんの思いは、躍動感のある花となってプレートの上に咲きました。釉薬も、白は少し艶を出してレリーフがより浮き出るように、逆にブルーやグリーンはマットな表情に、と職人さんたちと調整したといいます。光を受けた陰影がそれぞれのカラーで異なる点にも注目するとおもしろそうです。

まさにチームワークが結晶したフローロの制作。それも、全国の産地に足を運び、分業体制にある各工場の技術や得意分野を熟知し、職人さんたちとコミュニケーションを取ってきたイイホシさんの経験があったからかもしれません。今回伊勢丹 新宿店とともにフローロが先行公開されるイイホシさんの都内ショールームでは、そんな産地との関係を感じる定番シリーズが、ほぼ全ラインナップ揃います。

例えば昨夏に発売された「リ・イラボ」は、茶人が好んだ事でも知られる伝統的な釉薬「伊羅保」の景色を、現代の生活で使いやすい器に取り入れることに挑戦したシリーズ。ひとつひとつのプロダクトの表情が異なり、量産品でありながら1点ものを選ぶよう味わいがあります。岐阜県内の窯業地を中心に生産を依頼していますが、釉薬の色によって工場を変えているものもあるとか。また定番の「アンジュール」シリーズも同様で、シックな色味と釉薬の表情へのこだわりが、ひとつひとつの器から感じられます。

「毎日使うものだからこそ、求めやすい価格帯になるように、そして使いやすく、洗いやすく」と使い手目線でデザインをするイイホシさん。色合いはシックで、フォルムはシンプルでほどよいシャープさのある、スタンダードな食器がほとんどです。ショールームに大きなテーブルを置いて、器の色合わせやサイズ感を確かめられるようにしているのも、日常使いのものこそ、楽しんで選んでほしいという思いからだといいます。

鹿児島さんとの出会いで生まれたフローロは、従来のイイホシさんのフィロソフィーを踏襲しながらも、アートピース的なエッセンスが含まれた新しいラインかもしれません。「銘々皿というよりも、どちらかといえばテーブルのアクセントとして使うのにふさわしいアイテムですね」というイイホシさん。一方、鹿児島さんは「方向を揃えずにランダムに重ねたり、異なるサイズや色同士を組み合わせてみては」と提案してくれました。自然光が差し込むショールームで、フローロやその他のアイテムを並べながら、器のつくり出す豊かな風景を楽しんでみてはいかがでしょうか。

春のあたたかな日差しを感じ、空気を取り込むために窓に近づく。窓から差し込む光がわずかな桟に差し込むのをみて、このスペースを遊びたくなることはありませんか？　一輪の花をさす小さなガラスでも、用途から離れたオブジェでも。肩に力の入らない「もの」をインテリアに置いてみましょう。本棚の隙間や、ぽっかりと空いた玄関の棚の一隅、そして深めの窓枠など、ちょっとしたスペースがコレクションの舞台に変わります。

東京・神宮前のブックショップ「ユトレヒト」は、アート・デザイン・ファッションなどの書籍を扱うギャラリーを併設したお店ですが、「何となく楽しい、おかしみのある」さまざまなオブジェを探しに訪れる人が少なくありません。特にオブジェと銘打ったコーナー展開をしているわけではありませんが、本棚や窓辺を静かに眺めていると不思議な形状のものや説明のつかないゆるさを感じるものが、そこかしこに潜んでいるのに気づきます。

ユトレヒトの岡部史絵さんがまず見せてくれたのが、スウェーデン・ストックホルム在住のガラス作家、山野アンダーソン陽子さんの作品です。山野さんはガラス工房をシェアする仲間たちとともに「アーバン・フォレスト」というグループを組み、昨年、本にまつわるガラスをテーマとした企画展を仲間たちとともにユトレヒトで開催しました。

「とてもセンスのいい人。職人肌なのに感覚的に訴えかける作品をつくっているんです」

岡部さんは個展を通じてますます山野さんのファンになり、「タイム」と「ペイパーウェイト」を紹介し続けています。ユトレヒトの窓辺や本棚に置かれた本型の「タイム」は、彼女がDMや友人から届いた大切な手紙、そして切手を本棚に差し込んでしまう癖から生まれたガラス作品。彼女の暮らしの中から生まれたオブジェは、ブックエンドや箱としても機能しながら、ぽってりとした厚みとゆらぎのある面が光をためて豊かな表情を見せてくれます。

もうひとつの作品「ペイパーウェイト」も、“毎日必ず使うものではないけれども、何となくそこにいつもあるもの”を目指して山野さんが制作したもの。ガラスが身近にあるスウェーデンでの暮らし。そんな毎日だからこそ生まれたオブジェは、錘（おもり）という機能のバランスはもちろん、なにげないオブジェとしてもうれしい作品です。ユーモラスなフォルム、つまみと本体の丸みが心地よく、つい手に触れたくなってしまう。光を受けたソリッドなガラスに、まわりの空気も澄んでくるようです。

「透明なガラスのオブジェは、さりげなく、なんとなく寄り添ってくれる存在。それって本棚に置かれた本とも似ている」という山野さん。それはもしかすると、ユトレヒトのもの選びにも通じるのかもしれません。

ユトレヒトでは、山野さんのような工芸のジャンルからグラフィックまで、幅広いアーティストによる企画展を開催しています。そしてアーティストと打合せをするなかで偶然生まれたり、制作してもらったりしたオブジェが、実は店内でたくさん置かれています。

「私たちは雑貨屋でもないし、デザインプロダクトを専門に扱うわけでもありません。機能性やデザイン性に優れている便利なものはないですが、日常のすき間にすっと入りこめるような、どこかおかしみのあるものを選んで扱うようにしています」

そんな岡部さんの言葉に思わずうなずいてしまうのは、アーティスト・平山昌尚さんが端材でつくった細長いサイコロ、グラフィックデザイナー・中村至男さんが木のキューブで手づくりした動物のオブジェなどが店内にふと置かれているから。ちょっとしたゆるさを受け止めて販売できるのも、まるで「神棚」のような不思議なスペースをつくれてしまう本棚という懐の深い場と、ここでしかないものを扱おうという意識があるからでしょう。

作家とのやり取りでもディレクションすることはほとんどなく、お互いの温度感を大切にしているという岡部さん。置かれたオブジェたちがゆるく脱力しつつも、甘えのない個性的な表情をしているのはユトレヒトという場の空気感を介したアーティストとの信頼関係があるからかもしれません。それは書籍に関しても同じことが言えます。

2014年に表参道駅近くのアクセスの良いビルから移転。都心にありながら決して便利ではなく、むしろ迷いながらたどり着く人も多い立地になりました。それでも住宅街を迷いそうになりながら進み、多くの人が訪れるのは、ここにしかない本やものとの出会いや発見が、常にあるからに違いありません。

グラフィカルなパターンをインテリアに取り入れたくなったとき、カーテンやラグも選択肢のひとつですが、大判のテキスタイルをそのままもっていると、より気軽でフレキシブルに使えます。たとえば1枚の布をベッドやソファのカバーに、パーティションにかけて間仕切りとして、またテーブルクロスにと、さまざまな用途が思い浮かびます。

北欧と日本のクラフトやプロダクトを扱うショップ「t-b-d」では現在、1960～80年代を中心にしたフィンランドのヴィンテージテキスタイルのみを集めた企画展「Impression of Textile Design —テキスタイルのある風景—」を開催中です。マイヤ・イソラ、ヴォッコ・ヌルメスニエミや石本藤雄など、著名なデザイナーによるアイテムや、すでに生産中止となった希少なアイテムまで、クオリティの高いテキスタイルがセレクトされています。

買い付けで北欧への出張も多いスタッフの戎愛子さんは、フィンランドのヴィンテージテキスタイルはしっかりとしたコットンの幅広の布地で、2メートルほどの使いやすいサイズが多いといいます。また自然をモチーフとしているものが多いので、日本のインテリアにも取り入れやすいと説明してくれました。

「北欧ではヴィンテージ・テキスタイルのコレクターが多いんです。男性がベッドカバーとしてヴィンテージテキスタイルを何枚も使い分けて楽しむ姿は印象的でした」

そのほかテーブルクロスとしてはもちろん、夏の野外を楽しむ北欧らしく、ピクニックに出かけるときに布をもっていき、草原に広げて使うこともあるとか。一面の緑の上に鮮やかな色合いのテキスタイルのある風景、それだけでわくわくしませんか。

今回の企画展のためにセレクトされたアイテムは50点近く。パターンのリピートが長く、室内に風景が現れるような大きく広げて使いたいものを中心に、1点もののヴィンテージテキスタイルを販売します。力強いタッチでまっすぐなラインが描かれた「ラジュ」という石本藤雄さんによるテキスタイル。そしてロシアの湯を沸かす道具・サモワールのフォルムを大胆にあしらったマイヤ・イソラによるテキスタイル。ともにマリメッコ社製で、ベッドカバーやタペストリーにとインテリアに取り入れやすいシックな配色が魅力です。

逆に鮮やかな色合いで、テーブルまわりを楽しく演出したくなるのがボッコ社のアイテム。ヴォッコ・ヌルメスニエミによるシンプルな配色と線のみで構成されたコンセプチャルなパターンは、時を経ても色あせない力強さを感じます。そのほか木々や草花をモチーフとしたやさしい印象のものも多数。無造作にソファやクッションの上にかけたり、収納の目隠しに使ったりと、布に触れていると使い道が次々と浮かんできます。

企画展の英文タイトル「Impression of Textile Design」は、フィンランドのテキスタイルが、時に選んだ人の日々の心象風景を映したり、空間の印象をがらりと変えたりする存在であることを表しています。「北欧の人たちが暮らしの中で自然を写したモチーフや幾何学的なパターンなどテキスタイルを何枚か持つように、日本でもその時選んだ一枚の北欧の布に気分や季節をやわらかに託して、暮らしを楽しめるのでは」と、戎さんは言います。

ヴィンテージテキスタイルには工場が閉鎖されて廃番になった希少なものもありますが、現行品には過去のデザインを復刻し、色やスケールを変えるなどアップデートしたものも。年代に関係なく、フィンランドのテキスタイルに共通するのは普遍的なプロダクトとしての存在感。パターンは消費されることなく大切にアーカイブ化され、手に取ったときに積み重ねられ歴史を感じます。ものの良さを長く受け継いでいく確かさも息づいているようです。

表参道駅から根津美術館に向かう通りに面した古いビルの一室。 “後日決定”の意味をもつ“to be determined”の頭文字から名付けられた「t-b-d」は、学芸大学駅にあった北欧のヴィンテージ品を扱うショップ「biotope」のコンセプトをリファインした新店舗として、昨年秋にオープンしたばかりです。

北欧からはヴィンテージアイテム、アートセラミックスや工芸品など一期一会を大切にしたいものを。また日本からは北欧家具などと調和のとれるプロダクトを、オーナーの築地雅人さんを中心に独自の視点でセレクトしています。両者が出会ったときに魅力を高め合うような作用や発見をじっくり咀嚼して、ていねいに発信すること。そんな実験的な場として育てたいとの思いが店名に込められています。今年は日本の作家とコラボレーションする企画展も準備中といい、小さなスペースからの密度の高い発信に今後も期待が高まります。

デザイナーによる緻密なプロダクトも素敵ですが、時に「なぜだかわからないけど面白い」プロダクトに出会いたくなります。理由をまとわない自由さに触れたくなったら、インテリアショップが軒を連ねる目黒通りを歩いてみましょう。中でもゆるやかな坂の登り口にある「ACME Furniture（アクメファニチャー） 目黒店」は、新しいものを発見しにふらりと気軽に訪ねることのできるショップのひとつです。

アクメファニチャー（以下アクメ）は、1940年代から1970年代の質の高いアメリカンヴィンテージ家具の輸入販売とともに、ヴィンテージアイテムをカスタムしたオリジナルプロダクトの製造も得意としてきました。そんなアクメの技術と個性が発揮されたオリジナル照明器具が、本日からスタートした「LAMP!LAMP!LAMP!」展で限定販売されています。

巨大な蓄音機のホーン、ソリッドな質感のアルミダイキャスト製ヘアドライヤー、水道のメーター、折りたたみ式の物干竿、そして地球儀など。レザーやマホガニーのヴィンテージ家具が所狭しと並べられた店内には「これって何だろう？」と心の中でつぶやきたくなる、そんな意外性のあるものがペンダントやフロアランプに姿を変えて展示されています。カスタムメイドとは言え、PSEマーク（出荷前に電気用品安全法に基づいた検査及び検査記録を保存して、電気用品が一定の安全性を満たしていることを示す）も取得しています。

「この照明器具を見たお客様に“ばかだなー”と笑ってもらえたら、それは僕たちにとって最高の褒め言葉なんです」と言うのは広報の勝山龍一さん。もともとアクメは30年前の創業時から、飛行機のパーツをインテリアアイテムにカスタムメイドするなど、ユニークなプロダクトをつくることでコアなファンの心をつかんでいました。勝山さんの言葉から、遊び心を忘れないクラフツマンシップをスタッフが脈々と大切にしていることを感じます。

今回の展示で販売するオリジナル照明器具を製造したのは、アクメのファニチャープロデューサー、設楽真也さん。入社時からリペアやカスタムメイドを手がけてきた叩き上げの職人でもあります。

「年に4回、おもにアメリカ西海岸へ家具の買い付けに行きます。バイヤーとの商談のほかに、僕らはいつも空港で荷台の大きなトラックを借りて、地元の人たちが買いにくるようなフリーマーケットを回っています。そうすると用途はわからないけどフォルムがかっこいいとか、なぜか惹かれるヴィンテージアイテムとの出会いも多いんです。手に取りながらこれは何にしようかな、と考えるのが楽しくて」

そうしてストックされたものに機能が加わりプロダクトに仕上がりますが、その試行錯誤のプロセスや、トラックを走らせながら買い付けたときの西海岸の空気感が、これらの照明器具の手触りから伝わってくるようです。ちなみにこの企画展のためにつくられたオリジナル照明器具は10点ほど。どれも1点もののため、お早めに店頭でチェックしてください！

「インテリアに凝りたいと思ったときに、照明器具は効果を感じやすいアイテムですよね。照らすという機能はどの照明もある程度クリアしていますので、思い切った形状やデザインで部屋の印象をがらっと変えてみては」と設楽さん。フロアランプはもちろんのこと、ラウンジチェアやソファを置いた一角に大きめのペンダントランプを低めに吊るして光の重心を下げ、落ち着いた雰囲気を演出できます。

展示されるものは個性も強く、点数も限られていますが、アクメには定番のランプも多数。これにあわせ、ペンダントランプシリーズの「ソリッドブラス」には新作もお目見えします。無垢の真鍮のパーツを組み合わせてつくった文字通りソリッドな質感は、レザーや鉄、無垢の木を使った上質なミッドセンチュリーモダンの家具と相性良し。ソケットが垂直に下がるだけでなく、水平や水平垂直にアレンジできるものなどバリエーションが増えました。

ミッドセンチュリーのアメリカンファニチャーの雰囲気にあふれるアクメ。彼らがその雰囲気を大切にするために心がけているのもやはり照明で、店内のほとんどの照明器具の光源に白熱電球を使っています。家庭用電球の多くがLED光源になるなか、1940年代から1970年代の家具が使われていた当時の雰囲気を照明でもなるべく再現するために、昨年からオリジナルでフィラメント電球も生産しているというから驚きです。せっかく購入した照明器具も光源の形状や光の色温度が合わないと興ざめしてしまうもの。

設楽さんも「電球の形状も合わせての照明デザイン」というように、電球のガラスがクリアかフロストか、フィラメントが見えるか、エジソンランプ型かボール球かという要素は照明にとって大切です。現在店頭では白熱電球を常時在庫しているので、玉切れしても補充で困ることはありません。まずは夕暮れ時、シェードへの反射や照明の明るさが良くわかる時間帯にお店に出かけてみてはいかがでしょう。どこか懐かしさを感じる家具に座りながらフィラメントを眺めていると、光のあたたかさと心地よさにあらためて気がつくはずです。