安価で耐久性の高い建材として、さまざまに用いられる塩化ビニル管。プロダクト・デザイナーの岩元航大は、この素材の可塑性に注目し、吹きガラスの手法でパイプを個性豊かな花器に変えた。見慣れた素材に新しい表情を与え、今年のミラノ・デザインウィークで大きな話題を集めた作品だ。
「小さな頃からモノづくりが好きでした」という岩元。祖父が漁師で、漁師網を編むのを手伝い、ガレージにある工具を遊び道具にして育った。そしてプロダクト・デザインを学ぶために神戸芸術工科大学へ進学。在学中に学生と教員によるプロジェクト「デザイン・ソイル」に参加した。　
大学3年生の春に同プロジェクトがミラノ・サローネに出展、岩元の作品がそのひとつに選ばれ、初めてミラノに。そこでデザイナーや企業が本気で挑む姿に感動する一方、同世代の学生が発表する作品の質に圧倒された。
「スイスのローザンヌ美術大学の展示を見て、同じ土俵に立てていないと焦りを感じました。けれど同時に興奮もやまなかったんです」　
このことをきっかけに岩元はローザンヌ美術大学の大学院へ進学。そこではとにかく手を動かし、質を高めることを叩き込まれたという。2016年に帰国しフリーランスで活動を始めるが、17年に商品化された『ベントスツール』も在学中に発見したアイデアをもとにしたもの。座面となるパイプが熱で溶けたようにもう一方のコの字型パイプに沿って潰れ、互いを支えるようにして成立するスツールだ。
「金属パイプをベンダーで曲げる際に、2本のパイプがベンダーに噛み付いて外れなくなってしまって。失敗ですが、このエラーから生まれた面白さを活かしたいと考えたのです」　
塩化ビニル管の花器も、プロトタイプをつくろうと素材を熱するうちにひらめきを得たという。「商品化されるデザインと並行しながら、自分の手で加工できるものをつくりたいという思いはいまも変わりません。そしてそれを、将来的には自らの手で販売していきたいんです」　
岩元は鹿児島に工房を構え、東京との往復を続ける。ガレージでモノづくりの面白さを知った彼の本質は変わらない。手を動かしその気付きをデザインに発展させる過程は、どこか現代デザインの祖であるバウハウスをも思わせる。岩元の次なるアイデアは、その手だけが知っている。サイトはこちらから→www.kohdaiiwamoto.com

昨年のNHK連続テレビ小説『ひよっこ』のポスターデザインを手がけ、数々のミュージックビデオを演出。さらに、コラージュ作家としても活動している多才の人が、清水貴栄だ。　
武蔵野美術大学の基礎デザイン学科出身の清水は、菱川勢一、原研哉、深澤直人ら一線の講師にデザインの姿勢を学び、自分ならではの表現を模索する中で、コラージュと出合った。
「ゼロから絵を描こうとすると気合がいるけれど、コラージュだと、とりあえず包装紙や雑誌を切って貼ればどんどんつくれる。それが性に合っていたみたいで、初めて制作した時、夢中になって朝まで続けていたんです」　
卒業後、菱川勢一が代表を務めるデザイン事務所「ドローイングアンドマニュアル」に参加。2年目にtotoの『windy』のミュージックビデオの監督を任された時に、「コラージュをつくる人は大勢いるけど、それを動かす人はあまりいない。自分ならできる」と、コラージュをアニメーション化。独自の表現が注目された。　
やがて実写の監督にも挑戦。アニメも実写も撮れるスキルを活かしてNHKの教育番組に携わるようになり、昨年の『ひよっこ』につながった。
「アイデアを考える時は、まず、言葉を書き出しますね。たとえば〝風〞がキーワードだったら、ブランコ、鳥、山のトンネルに入る電車……というように、自分が風を感じる言葉を書いていく。そして、組み合わせたら面白いと思うものを同じフレームに置いてみる。あるいは、古い雑誌をペラペラめくって、気になった写真や絵の一部を切り取ってみたりします」　
そこで深く考えず、「とりあえず貼ってみる」ことが大事だという。「僕の場合、頭で考えると表現の幅が狭くなるんです。だから考える前に貼ってみて、『おっ、いい！』と、自分でテンションを上げながらつくる。アニメをつくる時も、僕は構成を考えずにつくり始めます。そのほうが、思いもよらないものができて楽しい」　
今後は、コラージュを使った絵本づくりや、セラピーに用いる「コラージュ療法」にも力を入れたいと語る。
「コラージュと映像を組み合わせたように、また違うスキルを身につけて、表現の幅を広げたい。それを増やせば増やすほど、他人にできないことができると思うので」　
自身の才能もまた、「コラージュ」でデザインしている最中だ。サイトはこちらから→www.shimizutakaharu.com

これは絵ではなくオブジェでは?そう思えるほどの厚塗りでインパクトを与える高橋大輔の絵画。平面の世界だと思われている絵画の、奥行きや物理的な厚みを感じさせる作品で評価されてきた。その彼の作風が少しずつ変わりつつある。向こうが透けて見えるような薄塗りの絵画が現れているのだ。　
高橋が絵画に興味をもつようになったのは、中学生の時に見たムンクの『叫び』がきっかけだった。
「油絵という妙な道具で、空が真っ赤というおかしな世界を描いている。テーマも不安だったり恐れだったり決してポジティブではない。こんな妙なものが芸術として認められているんだ、とびっくりしたんです」　
だが、美大卒業後、生活と制作の両立などの壁にぶつかる。その頃、なにげなく大量の絵の具を厚く塗った絵を友人に褒められたことを機に、厚塗りを意識するようになった。厚塗りの絵は夜に描いていたので『夜の絵画』と命名。その後、結婚して子どもも生まれ、それまで夜型だった生活からしだいに昼に制作するようになった。昼に描く絵には、身の周りの世界をスケッチするようなものもある。それを彼は『昼の絵画』と表現している。「夜、蛍光灯の下で作品と向き合っていると作品を視線が通過してしまうような感覚に陥ったんです。ですが、昼に描くようになって、自分の内側から外側に関心が向いてきた」　
そんな体験を経て「薄塗りで透明な層をひとつずつ重ねてその奥にイメージが遠ざかっていく、手の届かない夢のような絵画をなぜか描きたくなった」のだという。4月に開いた個展のタイトル『眠る絵画』はこんなイメージから付けられた。ほぼ一貫して抽象画に取り組んでいることは変わらない。
「色彩自体の面白さを追求したい、身体を動かした痕跡を残したいという思いがありました」　
高橋は、絵にはふたつの側面があると考えている。
「奥行きがあると錯覚するイリュージョンとしての側面と、物質としてクールに捉えることができる側面です。僕はイメージと戯れるのと同時に、物質と戯れている。絵画を手なずけたいけれど、できない。そのうちにどんどん絵が変わっていく。そういう壁にぶつかって悩み続けている」　
悩みつつも広がりを見せる高橋の絵画は、物質とイメージの新しい関係性を探り続けているのだ。

幼い頃から大きな目標を掲げて一途に研鑽を積んできた人が、ふと自分が選んだ道に疑問を抱くというのは、珍しい話ではない。3歳の時からピアノを弾き、音楽家を志してきた中野公揮の場合、心が揺れたのは高校時代。
「僕はピアニストを目指していたんですが、映画や美術など芸術全般に興味をもち始めたのをきっかけに、他人が書いた曲をただ再現することに満足できなくなった。なにかを創作したいと思うようになって、ピアノをいったんやめてしまったんです。もともと譜面通りに弾くのが苦手でしたしね（笑）」　
そう語る彼が、悩んだ挙句に選んだのが作曲だ。東京藝術大学作曲科に進んだが、ほとんど通わずに曲を書いてはライブで独自の表現を探した。「幅広く見て、聴いて、いろんなジャンルや時代から心に触れる要素を拾って、自分のパレットにのせていきました」　
従って、古今東西の音楽様式を引用した中野の作品は純然たるクラシックではない。彼が考える、新しい室内楽の形を示すものだという。
「僕にとっての音楽は、非常に個人的なもの。無限にある心のひだを全部なぞるようなことこそ、創作だと思っていて、それが許されるのが室内楽なんです。音楽が中心にあり、その一点に意識を集中させて、閉ざされた形式で見せられる宇宙――みたいな。そこにはまだ、実験の余地があると思います」　
そんな高い理想を追求することが生業として成立するのかと、最初は不安もあった。でも下積み時代から「自分を面白がってくれる人が周囲にいた」という彼は、フランスによき理解者を見出す。さまざまなジャンルの気鋭アーティストを紹介するレーベル、「ノー・フォーマ！」が演奏を耳にして、契約を申し出たのである。　
これを機にパリに移り住み、アルバム『リフト』を発表。やはりジャンルレスな志向のチェロ奏者ヴァンサン・セガールと共演した、ピアノとチェロによる楽曲集だ。そこには、バロック音楽から昨今のエレクトロニックまで多様な音楽が消化されていたが、次に取り組んでいるピアノソロ作品集も、一筋縄ではいかない内容だという。　
他にも、いまいちばんやってみたいことと位置づけるダンスのための音楽など、多数のアイデアを温めながら「曲の種をたくさん蒔いて、水をやって、育てている」と話す彼。それらが育った暁には、我々のもとにどんな花を届けてくれるのだろう。

2014年にファッション・ブランド「パグメント」を立ち上げ活動している大谷将弘と今福華凜。ふたりは、従来のイメージから想起されるようなファッション・デザイナーではない。言うなれば、コンセプトメイカーだ。　
彼らのコレクションは、ファッションのみならず、アートまでをも射程に入れた自由な表現で大きな世界観を提示し、発表ごとに形式や内容ががらりと変わる。さらに服はあくまでコンセプトを伝えるためのひとつのツールだという。どういうことだろうか。　
彼らのファッションに対する独特な向き合い方をひも解く上で、美大から服飾学校へと学びの場を移したという経緯はひとつの補助線となる。活動のきっかけを大谷はこう語った。
「最初は現代アートを学ぶために美大へ通い、作家性とはなにかを考えていましたが、自分にはアイデンティティがないと気付いてしまって。けれどある日、その時の気分で選んだ服で、ある種のキャラクターを表現することも自分らしさだと思ったんです」　
それからテーマとして、ファッションを取り巻くシステムそのものを扱い始めた。どう見られたいかという欲求に訴え、シーズン毎に新たなアイデンティティを提案し、消費を促すファッションのサイクルそのものが自らの在り方にぴたりと当てはまるからだ。　
ならば、アーティストよりもファッション・ブランドとして制作したほうが大勢に伝わりやすいと考えた。　
新作のコレクションでは、戦後から現在までの日本で流行したトレンドを年表にまとめ、そこから検索した画像をもとに一枚の画をつくり、服にプリント。それらはスタイリストの小山田孝司と共同でつくり上げた。さらにこの服をセレクトショップやギャラリー、書店など複数の拠点で発表、販売した。ふたりはこう続ける。
「日本のファッションは消費とアイデンティティが合致していて、そんな状況に批評的な視点をもちつつ、同時に楽しんでいる自分たちがいます。そこから生まれるコンセプトを大切に、いかに流通しやすいデザインに変換してアウトプットするか、かたちに捉われず世界に向けて発信していきたい」　
彼らは特定の手法や媒体にこだわらない。人と服を取り巻く現代ならではの感覚を伝えたいのだ。いまは表現として服が適しているから服をつくる、と語るふたり。さらなる変化を秘めた動向に注目したい。