ギターやピアノなどの楽器を軽やかに奏で、絵の中で躍動する人物たち。ペインター、レイコ・カミヤマの作品は、鮮やかな色彩と大胆にデフォルメした画面構成で観る者を惹きつける。創作活動のコンセプトには「カラーサウンズ」というテーマを掲げる。彼女が描く対象は、人物に限らない。訪れた土地の「音」や「空気」、その場の雰囲気からインスピレーションを得て、ペインティングに落とし込むのが彼女のスタイルだ。

「パリを旅した際、街に自然に流れている音にとても刺激を受けました。シャルル・ド・ゴール空港から移動する時、電車の音がガタゴトと響く中、誰かがアコーディオンを弾いている音が聴こえてきたんです。これらの混ざり合った音がパリの雰囲気そのものを表しているように感じ、そのイメージからいくつかの作品が生まれました。私が大切にしていることは、土地や場所を訪れて全身で感じた空気感を捉えることですね。それを絵にする時は、まず色を思い浮かべ、次に線や形に展開していきます」

飲食店などの壁画や、イラストレーション、ライブペインティングなど、さまざまなところで描いているが、家庭の壁にかけるような絵画作品の制作にも力を入れている。

「絵画から音楽を想像してもらえたら嬉しいです。たとえば都会のマンションの一室で、大きな音を出すことができない環境でも、絵画から音楽を感じてエネルギーを受け取ってもらえたら」

彼女が少女時代を過ごしたのは「音楽都市」を標榜する福島県の郡山市だ。子どもの頃は合唱や合奏に取り組むことが当たり前の日常だったという。こうして音に対する感性は自然に磨かれていった。

「東日本大震災をきっかけに故郷のことを考える機会も多くなり、自分のルーツに興味をもち始めたのかもしれません。いつか地元の郡山で、『音楽都市』のイメージを描いた壁画を制作してみたいんです。音楽が聴こえてくるような壁画がつくれたら、グラフィティとも路上ライブとも違う、新しい表現が生まれるような気がして」

7月27日から始まる個展では、彼女のテーマ「カラーサウンズ」をさらに展開した作品が発表される予定だ。自分にとって常に新しい表現を探し求めていると語るレイコ・カミヤマ。その想いが、音楽を描くペインターを新たな創作へと駆り立てている。

数寄屋大工の修業を経て建築家へ。日本の伝統的な意匠や素材、技法を学んだ建築家の佐野文彦は、それらを大胆に取り入れた空間設計やインスタレーションの設計で注目を集めている。

高校時代は陸上に明け暮れ、卒業後は競輪選手を目指していたという。しかしその後進路を見失っていた。佐野はある日、運命を変える出合いを果たす。以前から心惹かれる建物があり、思い切ってその扉を開けてみたのだ。扉の向こうに並んでいたのはミッドセンチュリー期のアメリカや北欧の名作家具。それに一目惚れして、その家具店で働くことに。やがて店の母体が数寄屋建築で名高い中村外二工務店であることを知る。家具に続き、今度は建築がもつ可能性に魅了された。

「ここで大工として経験を積むことで建築家になるという独自の道を切り開けるんじゃないかと思ったんです」

修業を終え、建築家になりたいと申し出て京都を離れた。東京の設計事務所で働く前に、初めて海外を旅する。建築も絵画も素晴らしいが、旅に「実感が足りなかった」と話す佐野。設計事務所を退職後、彼は他の国で実感を得るために、2カ月、デンマークの家具工房「PPモブラー」で働いた。

佐野が建築家として独立したタイミングは、折しも若い世代が陶芸や茶道に注目を始めた時期。独立初期からこれまで歩んできた道と再び向かい合うことになった。2016年には文化庁文化交流使に任命され、およそ8カ月半にわたりヨーロッパ、アジア、南米など16カ国32都市を巡っている。オランダでは現地の廃材を使ってホテルの一室を和室に改装。ほかにも、韓国やフィリピン、エチオピアなどで現地の人々と現地の素材を使って小屋を建て、もてなしの会を開いた。

「茶の湯の本質にある〝人をもてなすこと〞を軸に、空間をつくってティーパーティを開くというワークショップを行ってきました。海外のローカルな文化に日本のものづくりを学んだ私が交わることで、新しい発展のかたちが生まれ、さらに、その場所が継続して使われることで、新たな文化が生まれるきっかけになってほしい」

この旅を通じて改めて地域固有の文化がもつ魅力を再確認した佐野は、現代の日本らしさを探る。「建物をただつくるのではなく、そこに埋もれている価値や魅力をどう引き出しつくり上げるのか。新しい価値を生む行為を重ねていきたいです」

ストリートダンスから出発し、他に類を見ないダンスパフォーマンスグループとなった「s**t kingz（シット キングス）」。メンバーは、リーダーでキャッチーなダンスを得意とするshoji、マイケル・ジャクソンを敬愛するセクシーダンスのkazuki、緩急のあるダイナミックな踊りで魅了するNOPPO、往年のミュージカル映画やタップダンスも好きなOguriという、30代前半の4人だ。

「クラブのイベントで踊ろうよ」。そうkazukiが呼びかけ、2007年に結成。評判を呼び、翌08年にはマライア・キャリーのバックで踊り、10年には全米ダンスコンテンスト「BODYROCK」で優勝。以降、アーティストの振付でも人気を博してきた。

そして13年からスタートさせたのが、劇場での異例の単独公演だ。「アーティストのライブや舞台演出に関わる機会が増えて、『そんなにアイデアがあるんなら、自分たちで舞台をやってみたら？』と何人かの方に勧めていただいて。やってみたら、自分たちの世界観をゼロから自由につくり上げられる楽しさを感じた。これは続けていきたいと思いました」とshojiは言う。

13年は過去のパフォーマンスに新作を加えたオムニバスだったが、翌14 年にはオリジナルストーリーをダンスで表現する長編に挑戦し、好評を得る。そして16年には、『テルマエ・ロマエ』で知られる漫画家・ヤマザキマリに脚本を依頼、全国ツアーも行った。

キレキレのストリートダンスはもちろん、古きよきミュージカルを彷彿させるステージング、チャップリン映画のようなコメディ要素など、高いエンターテインメント性で、観る者を楽しませるシット キングス。宮本亜門や三浦大知、マツコ・デラックスなど、彼らのファンを公言する著名人も多い。「今年は結成10周年。自分たちがまだやってないことにどんどん挑戦して、もっと可能性を広げたいです」とshojiが言えば、「正統派のダンサーがやるべきことは、割ともうやらせてもらえた。そこからはみ出していかないと」とkazukiは語る。Oguriは「意外な場で踊るとかね。なんならもう踊らないで、別のことをしちゃう？」。「20年後は農業しているかも」と笑うNOPPO。こんなふうにいつも4人で話し合って決めてきた。彼らが集まり笑う門に、アイデアの扉はいつも開かれている。

ピアノを軸に、プログラミングやサンプリング、フィールドレコーディングなども取り入れながら創造する原摩利彦。彼の音楽が息づく場所は多岐にわたる。美術館や博物館でのサウンドインスタレーション、舞踏、演劇、歌舞伎、映像作品、パリコレのショー。そして、京都を拠点にするアーティスト集団であるダムタイプや彼が音楽家として憧憬の念を抱く坂本龍一とのコラボレーション。その音の在り方は対峙するシーンとシチュエーションに応じて変化する。

京都在住の原は前出のダムタイプを筆頭に地元のアーティストたちと親密な交流を重ねつつ、国内外問わずすべての現場がシームレスにつながり、そこで得たものが自身の音楽表現へフィードバックされていることを実感しながら、さまざまなフィールドへ赴く。

「現場によって求められる音も演奏も異なるので、日々鍛錬しておかないと対応できないですね。それと同時に、それぞれのパフォーマンスやお仕事でタイム感が全然違うのも面白いんです。僕は大学で生涯教育を学びました。人はいくつ年を重ねても学び続けるべきであるという学問を通して、大人になり仕事をしながら新しいチャレンジをしていくことに違和感を覚えない考え方を得ることができたんです。さらに、僕がつくる音楽が一定の人にしか理解されないものではなく、開かれたものとして多くの人に届けられることが重要だと思っています。たとえば、普段は音楽やアートに積極的に触れることがない方にも」

原の人柄はとてもチャーミングだ。奥ゆかしい語り口の中に時折ジョークを交え、小さく笑う。最新ソロアルバム『LandscapeinPortrait』は、原がピアノを主役に据える自身の本質的な音楽表現と真摯に向き合った、ポスト・クラシカルに位置づけられる作品だ。劇伴然としたピアノの旋律の輪郭が際立つ楽曲もあれば、リラックスできるアンビエントな楽曲もある。

「自分の根本的な音楽性を示すような作品をずっと発表したかったんです。環境音楽や電子音楽的な方法論も取り入れていますが、あくまでスタンダードな領域に作品を届けたい。『宣伝するなら光っていろ』という言葉を聞いたことがありますが、多くの人に自分の音楽を聴いてもらうためにも光っていようと思います」

肩書は「ふうせん宇宙撮影家」。その名の通り、風船を宇宙に飛ばして写真や動画を撮影する、世界でもおそらくただ一人の表現者が岩谷圭介だ。「科学が好きで、機械を分解しては中身を調べるような子どもだったみたいです。憧れは、映画『バック・トゥ・ザ・フューチャー』のドク（ブラウン博士）。将来は、ドクのような発明家になれると信じて疑いませんでした」

北海道大学で宇宙工学を学んでいた頃、偶然、海外のニュースサイトで目にしたのが、「アメリカの大学生が、風船で宇宙を撮影した」という記事。「宇宙開発は、何千億というお金をかけて行う国家プロジェクト。学生にできるわけがないと思いました。でも、記事を見ると、ぼんやりとした宇宙が写っていて。『自分でもやってみたい！』と強く思ったんです」

100円ショップやホームセンターで材料を調達しながら、自力で風船カメラを設計・開発。何百回という実験を繰り返し、時には立ち直れないほどの失敗を重ねながらも、約1年半後、上空30㎞からの宇宙撮影に成功した。「自分の手で上げた風船が、雲を抜け、空を通過し、宇宙空間を見て帰ってくる。その一連の景色を見た時、宇宙というものが本当に空の上にあって、自分と地球、宇宙は全部つながっているんだと実感しました。その後もさまざまな改良を重ねていまに至ります」

当初、小型カメラを使っていたが、2014年には日本初となるデジタル一眼レフによる宇宙撮影に成功。さらに世界で初めてシネマカメラでの動画撮影にも成功した。目指すのは、誰が見ても美しいと思える、心を動かす写真や映像。現在、宇宙を体験できるアートの制作にも意欲を燃やす。

「エレベーターに乗ると、全面に映像が投影されるんです。エレベーターが上昇すると、雲を抜け、空を越えて、最上階で宇宙への扉が開く。たとえば、そんな仕掛けで、日常空間を宇宙につなげてみたい。頭に被るような巨大なランプ、という作品を街角に置くのも面白いかなと思います。端から見た人は、『なんで、ランプに首を突っ込んでるんだろう』と不思議に感じると思うんですけど、ランプの中には、宇宙を実感できる空間が360度広がっている。そういう装置もつくれたらいいなと、妄想しています」

すでに、プラネタリウムを使った作品も展開中。これからどんなアートを発明するのか、楽しみだ。