2014年にファッション・ブランド「パグメント」を立ち上げ活動している大谷将弘と今福華凜。ふたりは、従来のイメージから想起されるようなファッション・デザイナーではない。言うなれば、コンセプトメイカーだ。　
彼らのコレクションは、ファッションのみならず、アートまでをも射程に入れた自由な表現で大きな世界観を提示し、発表ごとに形式や内容ががらりと変わる。さらに服はあくまでコンセプトを伝えるためのひとつのツールだという。どういうことだろうか。　
彼らのファッションに対する独特な向き合い方をひも解く上で、美大から服飾学校へと学びの場を移したという経緯はひとつの補助線となる。活動のきっかけを大谷はこう語った。
「最初は現代アートを学ぶために美大へ通い、作家性とはなにかを考えていましたが、自分にはアイデンティティがないと気付いてしまって。けれどある日、その時の気分で選んだ服で、ある種のキャラクターを表現することも自分らしさだと思ったんです」　
それからテーマとして、ファッションを取り巻くシステムそのものを扱い始めた。どう見られたいかという欲求に訴え、シーズン毎に新たなアイデンティティを提案し、消費を促すファッションのサイクルそのものが自らの在り方にぴたりと当てはまるからだ。　
ならば、アーティストよりもファッション・ブランドとして制作したほうが大勢に伝わりやすいと考えた。　
新作のコレクションでは、戦後から現在までの日本で流行したトレンドを年表にまとめ、そこから検索した画像をもとに一枚の画をつくり、服にプリント。それらはスタイリストの小山田孝司と共同でつくり上げた。さらにこの服をセレクトショップやギャラリー、書店など複数の拠点で発表、販売した。ふたりはこう続ける。
「日本のファッションは消費とアイデンティティが合致していて、そんな状況に批評的な視点をもちつつ、同時に楽しんでいる自分たちがいます。そこから生まれるコンセプトを大切に、いかに流通しやすいデザインに変換してアウトプットするか、かたちに捉われず世界に向けて発信していきたい」　
彼らは特定の手法や媒体にこだわらない。人と服を取り巻く現代ならではの感覚を伝えたいのだ。いまは表現として服が適しているから服をつくる、と語るふたり。さらなる変化を秘めた動向に注目したい。

言葉と身体を駆使してユニークな世界観を紡ぐ、フィジカル・パフォーマンスの「談ス」。大植真太郎、森山未來とともに2014年から同シリーズに取り組むのが、コンテンポラリーダンサーの平原慎太郎だ。
「談ス」とは「談話、つまり打ち解けて語り合う際の、言葉を発する直前の瞬間の空気を切り取り、その一瞬から生じうる可能性を面白おかしく膨らませたもの」と平原は言う。　
振付家、演出家としても活動する彼がダンスを始めたのは、子どもの頃に聴いていたヒップホップがきっかけだ。「中学生という多感な時期に、言葉遊びの究極とも言えるラップに夢中になりました。音楽という決められた枠の中で、リズムや韻、言葉でアーティストがそれぞれの個性を表現する、その幅広さが新鮮だった。そしてミュージックビデオを観るうちにダンスに興味をもち、その影響でヒップホップダンスを始めました」　
真剣にダンスと向き合うなかで選んだ道は、劇場規模のステージで自分なりの表現方法を追求できるコンテンポラリーダンスだった。平原いわく、コンテンポラリーとは「踊り手個人の主観が入るジャンル」だからだ。　
彼が手がけるステージには、ダンスと演技に合わせて「言葉」もしくはセリフが用いられることが多い。　
それはなにか新しいスタイルを模索するというより、ひとつのテーマを表現する上で必然としてのパフォーマンスを、「言葉」にも求めた結果だと平原は言う。ダンスや演技と同様、身体表現のひとつとして捉える「言葉」は、ヒップホップにルーツをもつ平原ならではの感覚だろう。　
そういった意味では、ときに「格闘技」や「コント」とも評される「談ス」シリーズのアプローチも同様に言葉を大切にしている。ソロのステージをつくる際は自身の内面をダンスや演技、言葉としてさらけ出す作業を積み重ねるが、「談ス」ではパフォーマー3人の関係性にフォーカスした表現や言葉を追求する。その関係性から生まれる瞬間のドキュメントこそ、この舞台の醍醐味なのだ。　
5月15日から「談ス・シリーズ第3弾」の公演が始まる。3人が提示するアイデアもその受け止め方も、回を重ねるにつれて深化してきたというこのパフォーマンス。個性豊かなふたりに対して、平原はどんな駆け引きを繰り広げるのだろうか。サイトはこちらから→http：//theorganworks.com

写真家、千賀健史はかつて物理の道に進もうとしていた。そしていまはドキュメンタリー写真に軸足を置いて活動している。物理とドキュメンタリーの共通点とはなんだろう?
「目に見えない新しい物理の法則や物質を見つけたいと思ったんです。誰も見ていないものをいち早く違うかたちで見たい。同時に、他者の生き方や考えにも興味がありました」　
親しい人でも知らない人でも、表面だけ見ていたのではわからないことがある。たとえば千賀の写真集『サプレスド・ボイス』は彼が数年来通っているインドで出会った少年を追ったものだ。彼はインド北部のガヤという街で、貧しい人々のために開設されたフリースクールに通う生徒だったが、16歳の時に行方不明になってしまった。少年が見つかったのはガヤから1500㎞離れた南インドの洋服店。義務教育が終わった後、兄が連れ出していたのだ。少年は使い古した英語の教科書を大切に持ち歩いていた。勉学の夢を絶たれたが、兄の言うことは絶対だからしょうがない、と言う。
「街角の服屋さんで店番をしている男の子なんてありふれた光景だから、知らなければ通り過ぎてしまう。そこに至る事情や背景を知っているのと知らないのとでは、イメージの受け取り方が変わってくる。僕は写真に受け手の想像が入り込む余地や自由度があっていいと思っています」　
そんな見えない糸を紡ぎ出すために千賀は写真集や展示にちょっとした仕掛けを施す。さりげなく被写体にポーズをとらせたり、登場する人物とは一見関係なさそうな写真や印刷物を入れたり。展示では壁に写真を貼る従来の展示方法の他、水を入れたアクリルの箱の下に写真を置いた。離れて見ると水の入ったただの水槽だけれど、のぞき込むと揺れる水底に写真が見える。
「ビジュアルによって物語を紡いでいく僕のやり方は、既存のジャーナリズムの手法とは少し違うと思います」　
洋服店の店番の少年は16歳なので児童労働とはならない。法に反してはいないから、ともすればジャーナリズムの目には留まらない。千賀の写真はそんな、見過ごされてしまう声を丹念にすくい上げる。それは他者が抱える問題であっても、自らの身に起こることだってあるからだ。誰かの物語はあなたの物語になり得る普遍的な問題だ。千賀はそう考えているから、写真を撮り続けている。

手編みのニットには、数多いファッションアイテムのなかでも際立った個性がある。大きな特長は、一本の糸だけでつくれる服ということ。さらに、最初から最後までたったひとりで製作できることも見逃せない特徴だ。手編みの作業は、画家がひとりでカンヴァスに向かい、絵筆を走らせるのと似ている。ニットは、個人の思い入れや感情がそのまま形になるのだ。
「ニットクリエイター」を名乗る蓮沼千紘も、こうしたニットの特性に魅せられた人物である。
「ファッションブランドと、ミュージシャンの衣装などをおもに手がけています。アシスタントはいますが、編むのは自分ひとりです。編む行為を通じて内面が表れるんです。生地づくり、パターン制作、縫製など多くの人が関わるアパレルの仕事とは違いますね」　
そんな彼女も大手アパレル勤務を経験している。当時はカットソーなどのデザインを手がけていた。
「ファッション専門学校でニットの技術を学び、一度は就職しました。やるからにはひと通りやれるようになろうと考えていましたが、日常の服を“デザイン”するのは、私より得意な人がいる。私は自分の世界を“クリエイト”する道を選びました」　
独立して個人活動を始め、主として一点モノを扱うファッションブランド、「アン／エディ」を立ち上げた。蓮沼は、太めの糸と異素材を混ぜ、編み目にゆとりのあるニットを創造する。ときには身体のラインからそれた、彫刻のような立体的なフォルムを描き出す。ブロックごとに多くの色糸を配置する、強いコントラストの色使いも彼女が得意とする作風だ。
「多色づかいの理由は明確ではないのですが、子どもの頃に塗り絵が好きだったことと関係しているのかも」　
ニットは、着る人の動きや身体のラインに応じて表情が変化していく服だ。自由にどんな形でもつくることができ、身体との間に空気を含んで広がる。いわば、空間表現にも通じる手法。蓮沼は現在、ニットで空間表現を行う活動も視野に入れ始めた。
「ファッションの合同展示のエントランスをニットで覆った経験もあって、空間に興味が出てきました。ミュージシャンの衣装だけでなく、ステージそのものの空間をつくるのも楽しそうです。さまざまな表現を通じて、より多くの人にニットの可能性を感じてもらえたら嬉しいです」　HPはこちらから→http：//chihiqohasunuma.wix.com/aneddy

「どうしても書けぬ」「拝啓　〆切に遅れそうです」……苦笑せずにはいられない作家たちの言葉を、大胆にレイアウトした『〆切本』。ハレーションを起こすような配色で表紙絵を際立たせた文学シリーズ。おっ!と思う装丁に、鈴木千佳子の名をよく見ていた。

「装丁の形式にこだわることなく、作品を読んだ気持ちを、素直にデザインに表すにはどうしたらよいか。そんなことをいつも考えています」

鈴木は、アート・ディレクター、寄藤文平のもとでキャリアをスタートさせた。初めの5年間は、大手企業の広告デザインを手がけていたと言う。「私には情報が波及する範囲が広すぎて。ロジカルに物事を説明することが苦手で、デザインでなにをすればよいのか戸惑うばかりでした。でも、この経験のおかげで、広告の仕事には向いていないのだと気付きました（笑）」

書籍は、読者の総数こそ計り知れないところはあるが、実際に本を読む時はひとりきり。読者はよい本ほど事あるごとに手に取り、じっくりと時間をかけて読み込んでいく。

「本の場合、打ち合わせも著者や編集者だけ。身近なところで情報が整理できるので、自分も十分に納得した上で、アイデアをまとめていけるのです」

一方で鈴木は、装丁に使うイラストを自身で描くことも多い。「イラストの実力は、アマチュア以上、プロ以下」と冷静で、デザインが求めるレベルを判別しやすいから、自分で描いているのかもしれないと話す。必要と感じれば、他のイラストレーターを起用。イラスト単独の仕事は受けないなど、彼女なりの明確な線引きもある。

また、鈴木は、作品の温度感を探りつつ、デザインの精度を高めるために散歩をするのが習慣だと言う。

「歩くのは、特に名所があるわけではない普通の住宅街で、1日で15㎞ほど移動していることもあります。不思議な行動に思えるかもしれませんが、日常と非日常の間を漂っているような感覚が好きなんです」

本は人の感情を揺り動かす装置と言っていいだろう。ブック・デザインは、物語との出合いを彩るもの。読み始めて起こる心の動きに、視覚や触覚を通じていかに自然に、心地よく寄り添うことができるか。鈴木のデザインは、人々の心の揺らぎをていねいに包み込んでいく。