実を言うと、自分の手元にあるアートブックはそれほど多くありません。普段店頭でたくさんの本にめぐり逢える役得に甘んじているわけではなく、きっと、優れた本の数々と出逢うこと、そしてそれをお客さまへご紹介することに楽しさを見出しているからなのでしょう。
そんな数少ない私物のなかでも、ひと際大切にしている宝物があります。それは、スウェーデン出身で現在はニューヨークを拠点に活動する世界的なイラストレーター、マッツ・グスタフソンの作品集『SWAN』。本書を通じて初めて彼の作品と出逢った瞬間、全身を衝撃が駆け抜けました。モノクロームで描かれた白鳥の群像は、まるで白昼夢の世界かと思うほど。ページをめくるごとに繰り広げられる優美さが忘れられず、頼み込んでなんとか見つけ出してもらいました。

POSTと同じく恵比寿にあるMA2 Galleryで、グスタフソンの絵画展『Nude』が開催されるとの朗報が舞い込んできたのは、2017年の秋のこと。多くの彼のファンと同じように、この機会をいまかいまかと待ち望んでいました。いざ展覧会の初日、早速会場に足を運び、帰りがけにPOSTにも立ち寄ってくださったお客さまがいました。お土産話を聞くところによると、とにかく素晴らしい作品群だったとのこと。「早く観にいったほうがいい！」と念押しされてしまったら、居ても立ってもいられず、休憩時間をつかって駆けつけました。

ギャラリーの静謐な空間に、朧げな筆跡でありながらも確かな存在感を携えた作品が現れます。思わず息を呑み、作品の世界に没頭してしまいました。図らずも会場には、レセプションパーティを控えたご本人が在廊されていました。敬愛するアーティストを目の前にして、感激が収まりません。こんなチャンスは滅多にないことだと意を決して、勇気を振り絞ってお話をさせていただきました。鋭い視線とは裏腹な、穏やかな心もちと大きな手のひらが温かかったことを憶えています。ほんのわずかなひとときでしたが、とても印象深い出来事でした。

本展に際して出版された作品集は、実物の作品を観た時に感じ得ることをぎゅっと凝縮した、濃密な一冊です。
まずは、肌色を彷彿とさせる暖色のほのかなグラデーションで彩られたミニマルな表紙。親しみやすい彩りは、同時に真摯に向き合うことを求める緊張感を秘めています。こんな険しさを突きつけられても、かすかに穏やかな温もりが伝わってくる。両極端の空気がともに内在しているのは、彼の人物像とも重なってきます。

1989年以降、グスタフソンはヌードの作品群を制作し始めました。インクでの線描や、水墨画のようにぼかして描く水彩画の手法によって表現されるしなやかな肢体や胴部は、あたかも呼吸をしているかのごとく感じられます。本人は「水彩を用いることは意図的ではなかった」と語りますが、結果として人肌のもつやわらかさや透明感に満ちています。写実的とはおよそかけ離れた表現でありながらも、これらが一糸まとわぬ裸体を描いているのだというのはよくわかります。ひょっとしたら、なにかを形取ることではなく、そこにある気配に輪郭を与えているのかもしれません。

言うまでもないことですが、彼がイラストレーターとして身を置くファッション業界にとって洋服は切っても切れないものです。それではなぜ、ヌードを主題にすることになったのか？　それには深い理由がありました。

もとは生まれ故郷のスウェーデンで劇場設計を勉強していたグスタフソンは、時を同じくしてファッション・ドローイングを学び始めたといいます。20代後半にはすでにファッション・イラストレーションの世界で目覚ましいキャリアを築いていましたが、商業的な成功を手中にした彼の目にも、1980年代のニューヨークはとても魅力的な街に映っていたようです。特にファッションやアートの世界において、限界を設けず自由奔放に生きる人々の活躍ぶりにすっかり感化され、ついに拠点を移すことに至りました。
80年代末から90年代初頭は、エイズが猛威を振るった時代でもありました。この悲惨な状況を目の当たりにした彼は、洋服ではない別のなにかを描くことで、自分なりに傷つきやすさや感じやすさを表現しようと思い立ちます。そのために、身にまとっていた洋服を払いのけ、素肌を描いた。衣を剥ぐというのは決して誘惑的で官能的なことばかりではなく、身体というものを賞賛し、美しさや繊細さに目を向けること。はたまた、他方では陽気さやコミカルな側面ともつながり得るものなのです。

作品の純然たる美しさは、すなわち彼の研ぎ澄まされた美的感覚の表れ。作品を通じて作者の内面に触れられるというのは、本当に興味深く、得がたい体験をもたらしてくれます。

前々回のブック・ケース・スタディでご紹介したスイスのブックアワード「Most Beautiful Swiss Books」の他にも、フォトフェアの「Paris Photo」で発表される「Aperture Foundation PhotoBook Awards」や、一昨年東京でも開催された「Steidl Book Award」など、世界にはたくさんのブックアワードがあります。なかでも、個人的に受賞作の発表を毎年楽しみにしているのが、オランダで催される「The Best Ducth Book Designs」です。

1926年に設立されたこのアワードは、今年で58回目を数えます。本のデザインを評価する賞としてはヨーロッパで最も歴史が古く、ブック・デザインの発展に寄与してきました。受賞作品は公募に寄せられた作品群から30～33冊が選ばれます。応募は本の内容を問わず、「a.オランダで設立された出版社からの刊行物」「b.オランダ国籍所有者、またはオランダ在住者がデザインをしていること」「c. オランダで設立された印刷所で印刷されていること」という3条件のうち2つ以上を満たせば可能で、間口が広く開かれているのも特徴です。

評価のポイントは「デザインの表現的側面」「タイポグラフィー、イラストレーション」「印刷など造本の技術的な側面」「本文内のコンテンツの見せ方」に加えて、「造本と内容の関係性」が重要視されています。評価基準に装丁の重要な点がシンプルかつ的確に押さえられているのも、オランダならではかもしれません。

毎年、受賞作の発表を心待ちにしている理由はふたつあります。ひとつ目は、オランダの出版事情を効率的に知ることができる点です。受賞作品の情報として、著者だけでなく、デザイナーや出版社、印刷所なども公開されるので、これらの情報がオランダの出版事情や新しいクリエイターを知る機会を与えてくれます。

もうひとつは、発表後に刊行されるカタログのユニークさです。1986年以降、受賞作をまとめたカタログが毎年刊行されていますが、過去にはイルマ・ボームやメーフィス＆ファン・ドゥールセン、ヨースト・グローテンスなども手がけています。これまでに起用されてきたデザイナーのラインアップは、オランダのブックデザインの縮図とも言えるでしょう。グラフィックも編集方法も毎回異なる最先端のブックデザインには、常に発見があります。

2016年のカタログデザインを手がけたのはHaico Beukers（ハイコ・ベーカーズ）とMarga Scholma（マルガ・シュルマ）によるデザインユニット「beukers scholma」です。カタログは書影に始まり、本文の見開きを見せるページ、本の情報をまとめたページが淡々と続きます。一見オーソドックスな編集方法ですが、造本に際立った特徴がありました。まず、カタログのカバーは、受賞作品それぞれの書影を使った33種類のバリエーションがあります。また、カバーの図版は1冊目の書影を見せる役割も担っているので、カバーが33種類あるということは、カタログで紹介される1冊目がすべて異なるということになり、それぞれで本の掲載される順序が変わってきます。同じ内容を収録しながらも本文の順番に違いがあるという複雑な構造を実現できたのは、本づくりのプロセスを活用した斬新なアイデアがあったからでした。

本をつくる時には１ページずつを別々に印刷しません。数ページを1枚の紙にまとめて印刷し、それを折って断裁することで複数のページをつくります。この1枚の紙からできる数ページの単位「１折」は8ページ以上が1単位になっていて、1折の単位ずつであれば、順番を入れ替えることができます。このカタログは、１つの受賞作を紹介するページ数を１折分にすることで、順番の入れ替えができるようにしました。製本の過程にひとつのアイデアを加えて独自性のあるデザインになっているこのカタログは、90年以上ブック・デザインのアワードを継続し、造本と内容の関係性に向き合ってきたオランダの基礎体力の高さを物語っています。

Best Dutch Book Designsは、厳選されたクリエイターとの出会い、そして素晴らしいブックデザインを知るためのプラットフォームとして優れています。ぜひ、毎年発表されるこのアワードの受賞作品を見てみてください。きっと新しい才能と表現に出合えるはずです。

現代を生きる私たちにとっても比較的馴染みの深い、19世紀以降の近代絵画。モネ、マネ、ルノアール、ドガ……。激動の時代を生き抜いた画家のなかでも、今回は「近代絵画の父」と謳われたポール・セザンヌの生涯に目を向けてみます。

画家を志してパリに出たセザンヌは、当時のパリ芸術界で唯一の発表の場であったサロンに繰り返し応募するものの落選を重ね、風当たりの厳しい時代が続きました。その状況下で、同じように日の目を浴びることのなかった印象派画家らと出会い、明るい色彩を獲得したと言われています。一時は結託してグループ展を開催したこともありましたが、光を見た通りに描くことを目指した彼らとは、次第に袂を分かつようになりました。二次元的表現である絵画の本質ともいえる「平面性」を念頭に置き、多視点的描画を導入すること。「自然を円柱、球、円錐として扱う」という、構造に対する幾何学的な捉え方。こうした画期的なスタンスで、セザンヌは既存の絵画のスタイルを刷新していきます。後のキュビスムに影響を与えたというのも頷ける話で、なんでもあのピカソに「彼は我々すべてにとって父である」と言わせしめたのだとか。彼の功績は、皮肉にもこの世を去った後に広く認められるようになったのです。

セザンヌが最晩年、故郷であるフランス南部のエクス=アン=プロヴァンスに構えたアトリエは、自ら設計を担ったと伝わっています。他界した後も当時の状態のままで保存され、現在は一般に開放されています。彼の作品の主題といえば、近しい人たちをモデルにした人物画、エクス郊外にそびえるサント＝ヴィクトワール山などが知られていますが、静物画の制作にも意欲的だったことを忘れてはいけません。このアトリエにはイーゼルや絵の具とともに、彼が好んで描いたリンゴや水差し、骸骨といった作品のモチーフがいまもなお保存されています。

巨匠が制作に打ち込んだ現場であり、創作の源が詰まった場所。作品が生み出されていたこの空間にはかつての主の人柄や精神性がよく表れており、絵画作品とはまた異なる一面から作家の魅力を訴えます。とりわけ写真家にとっては、特段素晴らしい被写体に映るようです。

これまでに、室内写真に長けたフランス出身のFrançois Halard（フランソワ・アラール）や、対象物と真摯に向き合う鈴木理策をはじめ、世界的に活躍する写真家たちがこの地を訪れ、ファインダー越しにその空間を撮り収めてきました。各々の作品からは、互いに創作を行う身として、ほどよい緊張感を抱きながら敬意を払っている様子がよく伝わってきます。たとえ客観的な視点に立とうと試みても、撮る人の感性までは隠しきれないのが写真という表現の面白さ。発表された写真作品を通じて、その写真家がどんな風に感じ取ったのか？　その心の機微をうかがい知ることができます。

アメリカ出身の写真家、ジョエル・マエロヴィッツがセザンヌのアトリエを訪れたとき、なぜこの画家がこれほどまでに賞賛されるのかをよく理解したといいます。室内のオブジェクトは北側の窓から注がれた光を受け、濃い灰色で塗りつぶした壁に溶け込むかのよう。作家自らが調色したこの壁は、すべての色彩を自然に見せるための配慮なのでした。この壁面を背景にすると、被写体はたちまち奥行きという三次元性をすっかり奪われてしまいます。

目の前に広がる情景にただ感銘を受けたマエロヴィッツは、いみじくも自身の新しい作品のための着想を得ることとなりました。アトリエの管理者に掛け合って特別に許可を得て、大理石のテーブルトップの同じ場所にオブジェクトを配置して撮影することにしたのです。被写体が同じ条件下に置かれることで統一感が生まれる一方で、個々の存在感も際立ちます。まるでアトリエの主が描く絵画の世界に飛び込んでしまったかとも思わせる、申し分のない美しさを携えた写真群。これこそがマエロヴィッツなりの、セザンヌの提唱する平面性へのオマージュなのです。

電子書籍の登場によって、物質的な紙の本は大きな転換期を迎えました。その存在が淘汰されてしまうのでは……と危ぶまれた当初の予想に反し、実はその後の刊行タイトル数は増え続けています。手順やコストといった制作手段の多様化に伴い、ニーズに応じた選択の可能性が広がったこと。アーティストが自身の表現の場として本という形態を選ぶようになったこと。さまざまな要因はありますが、つくり手にとっても読者にとっても、より出版という取り組みが身近になったように思えます。

多種多様なアートブックとの度重なるめぐり逢いのなかで、ひと際存在感を放つ本にすっかり胸を鷲掴みにされることがあります。それは必ずしも華美だったり奇抜なデザインということではなく、かといって著名なクリエイターの関与したタイトルに限ったことでもありません。果たしてなにを受けて「いい！」と感じるものなのでしょうか？　ある人は装丁に惹かれるかもしれませんし、またある人は純粋に収録された作品やコンテンツが気に入るということもあるでしょう。ひょっとしたら、鮮やかな色彩や紙質に魅せられることだってあり得ます。人に個性があるように、同じ本に対しても感じ方は人それぞれです。

ところで、「神は細部に宿る」ということばを聞いたことはありますか？　20世紀を代表するモダニズム建築家のミース・ファン・デル・ローエが好んで使ったとも言われている言葉です。美や機能の追求とは、すなわちディテール（細部）の追求。素材や意匠といったごく細やかな部分にも、決して妥協することなく真摯に選び取る。このきめ細やかな積み重ねにより、全体として完成度の高いものが生まれます。この精神性を、アートブックのあり方にも見いだすことができそうです。

世界各国には優れた本を表彰する「ブックアワード」という慣習がありますが、なかにはブックデザインという観点から本を選出する事例もあります。今回はスイスの「The Most Beautiful Swiss Books」にフォーカスして、実情を掘り下げてみましょう。

年に一度行われるこのブックアワードは、その名が示す通り、本という領域においてグラフィックデザインに傑出したタイトルを「最も美しい本」として賞するというもの。受賞タイトルを秀逸な模範として取り上げながら、年鑑の刊行や展覧会の開催を行い、その本自体のプロモーションや、ひいては出版文化の面白さを伝えてきました。
2016年は5名の審査員により、400あまりの候補本から24タイトルを選出。本年の年鑑を手がけたHubertus Design（ヒューベルトゥス・デザイン *1）は、まさに文字通り本に立ち戻り、物質的な面から美の本質を追求するように誘います。

本書では、1冊の本を構成要素の単位まで分解するという斬新な切り口で検証していきます。コンセプト、グラフィック・デザインやタイポグラフィ、印刷や製本のクオリティ、使用されている紙の素材など8つの観点から章立てをし、そこからさらに細分化していくのです。この画期的なアプローチによって、たとえば制作プロセスや制作者の意図といった、本の裏側に潜む部分にも関心が及ぶようになります。細部までよく目を凝らして見てみてみると、美的強度のあるアートブックには綿密な仕掛けがちりばめられていることを思い知らされます。

ブックデザインからはやや逸れますが、本書のテキストはすべて、スイスの公用語であるドイツ語・フランス語・イタリア語に加えて英語と、4カ国語で表記されています。言語面でも障壁を取り除き門戸を開くスタンスは、スイスの多様性を静かに物語っています。

独創的なモノの見方を得ることは、視野を広げることに繋がり、結果として教養が深まる。本にまつわる各方面の専門家はもちろん、ブックデザインに関心を寄せるすべての人に向けて、知的好奇心を満たすものとして、また資料としても有益な機会となることを願います。

*1 Hubertus Design
スイス・チューリッヒを拠点とするデザインスタジオ。アート、建築、文化、教育、政治といった領域において独創性のある具体的な視覚伝達の解決方法を提供する。
http://hubertus-design.ch

良質な本とのめぐり逢いを通じて見識が広がり、素養が深まって、内面にもいい栄養が行きわたっていく……。これは、この仕事柄ならではのこの上ない役得です。ですが、こうした邂逅を繰り返すうちに、よくも悪くもごく個人的な嗜好が強まっていくのは避けられそうにもありません。こと選書に関しては、ごく私的な観点に頼り切っていたのでは、結局のところ自己満足的で視野の狭いラインアップに陥ってしまうおそれがあります。

2011年にPOSTの取り組みがスタートしてから、これまでに延べ30社近くの出版社を取り扱ってきました。「期間中はひとつの出版社の刊行物しか取り扱わない」という在り方を通じて、探し求めて出向くスタンスとはまた異なる、本との出合いがあることを気付かせてくれました。
選書基準は、その出版社が刊行している本であるということ。やや乱暴な言い方をすれば、「まさにその本でなければいけない」といった必然性は削がれていきます。出版社という視点でふるいにかけられた書籍は、自らの好みとはまったく別の方向から突如やってくる、いわば彗星のような存在です。

この取り組みは、もうひとつ面白い効果がありました。それは、仕入れ時に立てた予想と、実際の店頭での反応とが異なること。お客さまの反響が高いことで、興味を抱くに至った本もあるのです。今回は、そんなお客さまのリアクションをきっかけに、目が離せなくなった一冊をご紹介します。

　現代美術の文脈のなかに、抽象美術に対する具象美術の一分野として「形象美術」というものがあります。これは現実世界そのものを創作の源とし、人物や動物といった鑑賞者にとっても身近なものがモチーフになることが多い点に特徴を見出すことができます。絵画や彫刻といったジャンルにとらわれない、広範な表現におよぶのも特色のひとつです。

　スウェーデン出身のマンマ・アンダーソンとヨックム・ノードストローム夫妻は、1980年代末に形象美術の潮流を牽引したアーティストです。妻のアンダーソンは映画的なイメージや劇場さながらのセット、年季の入ったインテリアを用いて、まるで夢のような表情豊かなランドスケープを描きます。一方、夫のノードストロームは、コラージュ、水彩画、ドローイングの手法を駆使して、性的・社会的な役割を演じる歴史上ないし現代のキャラクターを描き、より民間伝承的な領域をあらわにします。各々でも十分個性的なふたりの世界が糸を縒るように交わり、そこに独創性の高い共作が生まれます。

現在、POSTで展開している版元・David Zwirner Books（デヴィッド・ツィルナー・ブックス）は、ニューヨークに拠点を置く現代美術のギャラリー・David Zwirnerの出版部門として機能しており、展覧会の開催にあわせてカタログを刊行しています。2010年のアンダーソンとノードストロームの展覧会の際に作成された本書は、今回、この出版社を取り上げるにあたって入荷したものです。1980年代末から2010年にかけて制作された200点にもおよぶフルカラーの作品とともに、家族のスナップ写真や資料なども織り交ぜたアートワークが並びます。

世界各地の主要な美術館や、国際美術展で繰り返し作品を発表してきた彼らは、正直に言えば日本ではまだまだ知る人ぞ知る存在です。しかし、仮にこうした華々しい来歴を知らなくとも、本書を通じて彼らの作品の醍醐味に圧倒され、思わず魅了された方を多く見かけてきました。実際、David Zwirner Booksの中では断トツで評判の高い本です。

時空を超えて、鑑賞者にとって絶妙なタイミングで作家や作品との出逢いをもたらす。これこそ、アートブックならではの大切な役目であり、代えがたい魅力だろうと確信しています。