写真の束を切り刻んだ作品により、数年前からアートシーンを騒がせているふたり組、Nerhol（ネルホル）。そのひとり、飯田竜太は本を素材に使う彫刻で知られるアーティストだ。彼の作品には、本の文字をすべて切り抜いたものや、幾何学的なルールでページをカットしたものなどがある。独自の作風の基点には、彫刻を学んだ大学時代の運命的な出来事があった。

「14日連続で毎日1点の作品をつくる課題があり、短時間に満足できるものをつくろうと選んだ素材が本でした。紙は石、金属、木のように加工に時間がかかりません。大学に大量の本が捨てられていて、それを使ったんです」と、飯田さん。

一連の作品に取り組みながら、本でしかつくれない彫刻の面白さに目覚めたという。「最初は捨てられてしまう本が素材でしたが、やがて自分が読んだ本や好きな本を使い始めました。ある彫刻を初めて見る体験が一度しかないように、ある本を初めて読むことも一度しかできない。その本を何回も読むのではなく、僕が所有したという事実を作品として残そうと考えたんです」

ネルホルの活動は、メンバーの田中義久との対話からコンセプトを導き、素材も新たに撮影した写真を使うことが多い。一方、個人の作品は既存の素材がアイデアを触発する。個展『本棚のアーケオプテリス』展では、本の物性に注目した新機軸の作品を発表した。アーケオプテリスとは、古生代に現れた最古の木のことだ。

「本棚の中の本を引っくり返すと見える小口（ページの断面）は木だ、と気づいたんです。その層は年輪のようだし、素材の木は自分よりも前から生きていたに違いなく、さらに木には進化の歴史がある。本は、そんな膨大な情報のストックでもあるわけです」　

本棚の姿の作品は、小口を表現したものがメイン。棚に収まった本は自身で選出した100冊。彼にとって大切な本や、影響を受けた人々の本を選んだ。身近なものを題材として、彼の作品は目に見えないストーリーを直感的に伝える。驚きで人々を引き込み、深遠な意味の世界をうかがわせる。「いつかこの作品を図書館全体を使ってやってみたい。どこにも文字がなく森のようになった図書館は、体験として彫刻的な感じがします」。秘められたものを可視化する彫刻の可能性を開放するために、独自の探求はいつまでも続く。

久保ガエタンが6歳の時に亡くなった曽祖父は第二次世界大戦時、駆逐艦に乗っていた海軍の軍人だった。長じてそのことを知った彼は曽祖父について知るべく、調査を開始する。「日本人の父とフランス人の母をもつ自分のアイデンティティやルーツを探求したい、過去を知りたいという思いもありました」と久保は言う。　

調べると、曽祖父が乗っていた駆逐艦「梨」は終戦直前に米軍が撃沈、鉄くずとして再利用するため9年後に引き上げられたが状態がよかったため修理され、自衛艦として1972年まで使用されたことがわかった。個人のルーツを探ったら、思いがけない軍艦の歴史が浮かび上がってきたのだ。ICCで開催中の久保の『破壊始建設』展は、「梨」と曽祖父に関する映像や模型などを展示している。「曽祖父は生前、戦争の話をほとんどしませんでした。僕が作品をつくらなければ子孫が『梨』の数奇な運命を知ることもなかったかも。僕のアートは歴史の点をつなぐ、見えなくなってしまった糸を結ぶようなものなんです」　

溶かして再利用できる金属は時代の要請によって姿を変える。戦時中の日本では、家庭や企業から金属を供出させ兵器にした。が、終戦後には日本軍の薬莢（やっきょう）を溶かして五十銭硬貨にしている。『破壊始建設』には五十銭硬貨と、それを溶かして久保がつくった薬莢型のオブジェが並ぶ。「家庭から出た金属が兵器になってまた家庭に戻る、という循環するプロセスをカタチにしました」　

薬莢だけでなく「梨」以外の戦艦は住宅などに転用された。東京タワーの一部も、戦後、米軍から放出された戦車を使ってつくられた。これらの解体に携わった一人は「破壊は建設の始まりだ」と言った。戦後日本の基礎は、戦争に使われたものを解体し再利用することで築かれた。展覧会タイトルは、この言葉を引用している。久保はまた、「見えないものを可視化することにも興味がある」と言う。ポルターガイストなどオカルトや心霊現象を扱う作品は、そのコンセプトに基づいている。「見えないものへの想像力は、ものをつくる根源に近いものがあると思う」

「見えないもの」の探求は、切れた歴史の糸をつなぐ作業にも似ている。人の心が見えないものを可視化し、また見えなくする。歴史や社会の新たな見方を提示するアートだ。

「年々、自分の作品や活動をどう説明していいかわからなくなっています」

環ROYはラッパーである。しかし、彼の活動のあり方はパブリックイメージとしてのラッパー像とは一線を画し、実に多岐にわたる。多種多様なビートの上で自由闊達に躍動するフロウ（ラップにおける節回し）と同様に、環が自身のアーティスト性を投影するフィールドはオリジナル楽曲や通常のライブのみならず、アートギャラリーなどで発表するインスタレーション作品およびパフォーマンスアート、広告音楽の制作など、なにものにも束縛されていない。ただひとつ、環がクリエイトするすべての作品に通底しているのは、言葉と音楽と人間をめぐる、コミュニケーションの可能性をあきらめない表現者の矜持だ、と筆者は思うのだ。

「CDアルバムをつくっている時は、非言語的な感覚を言語化していく感じなんです。一方で、それ以外の表現、美術やパフォーミングアーツでは言語を非言語的な感覚へ還元するように取り組んでいます。でもこの解釈も、このインタビューを後から読み返したら違和感を感じるかもしれない。解釈とか評価って流動的なものだから、なかなか断言できないんです。いまは、あらゆることに棚が用意されラベリングされていきますが、キッチリ分類できないものを大切にしたいと思ってます」　

冒頭の発言も、そういった時代の様相に違和感を覚えているからこそ出たものだろう。人間と人間が言葉を交わし、互いの相違点や一致点に触れ、独立した個の本質を理解した上で共鳴するためにはそれ相応の時間を費やす必要がある。インタビュアーという立場で環と対話し、そんな当たり前のことを再認識させられた。

「情報化しきったいまって、すぐに結果を求めがちじゃないですか。そうせざるを得ないように進んできちゃってるとは思うんですけど、なんというか、なんでもですけど、よくしていこうと思ったらやっぱりていねいにやらないといけないわけで、長い目でいろいろなことを見ていけるようになりたいです。もっとみんなと〝いま〞という時間に対する認識について話し合い共有したい。そういう気持ちを表現していきたいと思っています。だいたい機械化してきて本当は暇なはず、だからお話くらいできるでしょ（笑）って」　

環ROYとは、あまりに真摯な言葉の表現者＝ラッパーだ。

直営店はなく派手なファッションショーも行っていないが、服をこよなく愛するファッション好きの間でいま、最も注目されている新鋭ブランド、「オーラリー」。その魅力に最初に取り憑かれたのは、有力なセレクトショップの関係者だった。デビューして2年と経たずに有名どころの各ショップを席巻する勢いで取り扱いが拡大。さりげなく品格のある上質なデイリーウエアが、顧客の心もつかんだ。服の布地を手がける会社の1ブランドとしてオーラリーを立ち上げた岩井良太が、なによりも大切にしているデザインポイントは素材だ。「同世代のブランドが数多くある中で、どうやったら頭ひとつ抜けられるか、自分はどこにこだわれるかを考えたら、素材に行き着きました」

幼い頃から服の素材が好きだったのではないらしい。生まれ育った神戸で学生時代に古着屋でアルバイト。漠然と「服屋になりたい」という思いが募っていった。大学時代もそのバイトを続け、卒業してから東京に来て、文化服装学院の夜間コースに通った。「当時好きだったブランドは、クリストフ・ルメール、カラー、サイなど。モードの世界より、服そのものに惹かれていました。専門学校2年生の時、ニットブランドで働き、ニットやカットソーの面白さに目覚めて、今日までそれが続いています」。国内屈指の工場で製造するオーラリーのTシャツ、スウェット、ニットなどのファンは多い。「織物用に紡績した糸でニットを編むなど、高度な技術でしかつくれない服に仕上げているのが特長です」

彼がデザインするアイテムは、どれもモダンで都会的だ。ジェンダーレスなムードも感じられる。これは持ち前のセンスの表れなのだろうか。「メンズ、レディスの両方をデザインしているのが大きいかもしれないですね。女性用につくった服を男性用に応用することもありますし。素材のよさが際立つ服にしたくて、ディテールより服の全体に目が行くように配慮しています。そして、コートもTシャツも、自分の中では同じテンションでつくっています。どの服もよい素材を使いながら、しかしカジュアルな気分で着ていただけるように」

2016〜17年秋冬の服では、時代の気分と合致するアースカラーの色が充実。店頭で手に取り、素材のよさを感じていただきたい。

建築家は建物の形をつくるもの。でも最近ではその領域がどんどん広がっている。ツバメアーキテクツはそんな「建築以外」のことも手がける建築家集団のひとつ。「デザイン」と「ラボ」の2つの部門があり、前者は形のあるものを、後者はリサーチや街づくりなど、形のないものに関わる仕事だ。「建築家はもともと、空間構成とそれによって人々をどうつなげていくのかという社会構築の両方を手がけていたわけです。その2つをそれぞれ職能として分離させたら、仕事のバリエーションが増えました」と彼らは言う。　

そのきっかけが、多世代シェアハウス「荻窪家族プロジェクト」だった。利用者らとワークショップを行い、太極拳教室ができる鏡張りの集会室、居住者のためのシェアワインバーなど、充実した共有部がつくられた。 「阿蘇草原情報館」では、大きな軒下や１００㎡近くある受付の空間が、利用者が自由に使い途を考えることができる〝広場〞になる。

彼らはプロジェクトを進める時、図面にさまざまな言葉を書き込んだダイヤグラムを使っている。その言葉が「シェアライブラリー」「福祉の専門家」など、具体的で固有名詞も多いのが特徴だ。これは彼らが複数のプロジェクトを経験するうちに、「社会的な問題は中心ではなく、端のほうで起きる」ということに気づいたからだという。「僕たちが対話する相手は年代も職業もさまざまだし、要望も個別的です。そのどれもが面白いので取りこぼさないようにするために、ダイヤグラムではそのまま書くようにしています。その個別的なことが日本全国で起きていて、別のところでも応用できる」　

こうして出来上がった彼らの建築は、「これでなければダメ、という固定的な建築ではない」という。「フレキシブルな建築を目指しています。といってもなんでもできるように広くてユニバーサルな空間をつくるということではなく、人が寄りつく取っかかりをつくっておいて自由に使いこなせるものをつくりたい。たとえばテーブルなら四角いほうが使いやすいけれど、緩やかにカーブするテーブルを置くと場所に流動性が生まれて、多様な使い方を想像できるようになる」。最近では敷地や空間をどう使えばいいか、用途の組み合わせ方から依頼されることも多いという。ユーザーを楽しく巻き込みながら、建築の新しい可能性を生み出している。