スペイン、イビサ島にほど近いフォルメンテーラ島に暮らす画家、アントニ・タウレ。1945年スペイン生まれ。多くのアーティストと交流があり、彼らから影響を受けると同時に、周囲にインスピレーションを与えてきた。
建築を学んだタウレは、舞台美術でも才能を発揮していた。それだけに彼の作品は劇場空間としての魅力をもっているが、いずれも時の経過や特定の物語からは自由に解き放たれている。　今回の展覧会は、タウレの日本で初めての個展だ。油彩画24点と、以前に撮影した写真の上から油彩で彩色し、絵を描き加えた16点のふたつのパートで構成される。絵画と写真とが隣接する、幻想的な世界が広がっている。
どことなく不安を覚えるがらんとした部屋や、鏡に映る部屋の風景。一方、玄関や窓からは光が差し込み、開口部の先には海や砂浜などが目にできる。70年代、80年代に彼が拠点としていたニューヨークのホテル・チェルシーをはじめ「記憶の建物」も重要な題材だ。
無人の風景だけでなく人物が登場する作品もある。タウレに影響を与えた作家、レーモン・ルーセルの恋人だったシャルロット・デュフレーヌの姿もあり、タウレの絵にはシュルレアリストに絶賛された不可解なルーセルの文学世界が重ねられていることに気付く。
タウレは述べる。「私が試みるのは世界の際に達することであり、そういった意味での岸辺、あるいは境界の概念が、フォルメンテーラ島には余すところなく現実化されている」
光と闇、現在と過去。現実と虚構、見えるものと見えないもの……それらの「際」が、彼の作品には潜んでいる。
自身の想像力の源泉だという地中海の島に暮らしながら、彼は今日もアトリエ近くの巨石遺跡や洞窟を訪れ、想像力を拡げているのだろう。作家の心に存在する「光の島」に、私たちも触れてみようではないか。

デビッド・ボウイの遺作『★』はマリア・シュナイダー、マーク・ジュリアナらニューヨーク発のジャズの精鋭を起用したことでも話題を集めたが、そのなかでも、もっとも大きく貢献したのがサックス奏者のダニー・マッキャスリンだ。その彼の新作『ブロウ』は、長年彼が培ってきた新しいジャズに向けたエネルギーと、ボウイとのレコーディングで得たインスピレーションが新たな創造性を生み出し、一気に結実したことを思わせる。 　
すでに複数枚のリーダー作をリリースしているが、ここで心機一転、ボーカルを4人起用し、ストレートなジャズを予想するリスナーの期待を気持よく裏切っている。歌が入ったことでこれまでの作品に感じられた複雑さから解放され、感触はポップだ。ポップではあっても過去の演奏にも通じる重力があり、突き進むようなスピード感は相変わらずで、この人がジャズのイノベーターと言われることがわかる。 　
公式コメントによると、ボウイからは「その時に聴こえているものを求めて進めばいい。どう思われるか、どう分類されるかは心配するな」とアドバイスされたという。なるほど、新作は自分の心の赴くままに制作されたのだろう。エレクトロニクスによるサウンドの効果やロック的なフィーリングなど自由で多彩な内容だが、あくまで音楽の核にあるのはジャズであり、それがこの作品を面白くしている。 　
ところで90年代以降ジャズの表現は指標を見失ったかのようで、時には袋小路に迷い込んだような印象があった。それを打ち破ったのがヒップホップと融合したロバート・グラスパーの登場だ。マッキャスリンはまた別次元の方向を示し、ここでひとつの成果を得たと言える。ここから彼がどう進展していくのか興味は尽きない。

現代のメジャーな音楽シーンにおいてエレクトロニックな手法がごく一般的なものとなっているのは、PCや多彩な音楽制作ソフトが普及したことが大きいのだろう。結果として、それ自体に新鮮さは失われてしまった。だがそのことに抗するように、アンダーグラウンドのエレクトロニック・ミュージックにおいては簡単に消費されることのない、より実験的なサウンドが求心力を持つようになっている。 アースイーターを名乗るアレクサンドラ・ドリューチンはニューヨークを拠点とする女性アーティストで、3枚目のアルバムとなる『アイリシリ』をベルリン拠点の実験音楽を得意とするレーベル「パン」からリリースした。抽象的なエレクトロニック・ビートと華麗な弦やハープの調べ、そしてドリューチン自身のダークだが妖艶な響きの歌がせめぎ合うという、おそろしく先鋭的で奇妙な美しさを湛えた作品だ。彼女はビョークからの強い影響を公言しているが、なるほど特定の枠に収まらない独自のアート表現は似ているところもあるかもしれない。しかしアースイーターのエレクトロニック・ミュージックは、ビョーク以上に過激な逸脱を恐れていないように聞こえる。 　
彼女の表現の特異さを知るには、ぜひミュージック・ビデオを見てほしい。挑発的な姿で登場するドリューチンに釘づけになるはずだ。なかでも墓場を舞台にして、常人では考えられない方向に身体を曲げるラストトラック「Claustra」の映像は、攻撃的なビートと陶酔的なヴォーカルとも相まって強烈な印象を残すだろう。そのビデオによく表れているが、身体とテクノロジー（機械）の複雑な衝突がこの作品の重要なモチーフのひとつとなっている。それは我々の現代の生活を示唆するものだ。リスナーは刺激的なサウンドに圧倒されるだけでなく、哲学的な思索にまで導かれるのである。

「一石百鳥」とはまさにこの一冊のこと。日々荒波のように訪れる社会変化や顧客ニーズに対して、注目のスタートアップや大企業がどのようなビジネスモデルを設計したのか、計100例を徹底的に可視化している。 　
近年、デジタルシフト、AI、イノベーション、CSRという単語をよく聞くが、それらを掲げる企業の多くは言葉だけが流行に乗り、その実態は不透明だ。ゆえに個人、組織、社会のすべてがユーザーに可視化される現代で、成功するのは軸がしっかりとしたビジネス。軸とはどんなミッションでどんなテクノロジーを使い、どんな貢献をするかという目的のこと。金儲けの強欲主義でなく、社会に貢献する利他主義が根本にある時代なのだ。 　
実際これまでは、儲けの仕組みやどんな経済効果があるかの定説を示す本が多かった。しかし本書で紹介するのは、利他主義でありながら常識を破る企業だ。フェイスブック、エアビーアンドビー、ウーバー。いまや誰もが知る社会的貢献度も高い大企業だが、ひと昔前は愚かな考えとしか認識されなかった。短期間でどうやってここまで成長を遂げたのか？  　
逆説的ビジネスモデルだ。本書に登場する、アフリカで電気の量り売りをするベンチャー企業のWASSHAを例として挙げよう。日本で電気の利用といえば、契約してから利用した従量課金という定説があるが、電気が届かない途上国はどうなるか？　このビジネスのすごいところは、「前払い式で払った分だけ使う」仕組みをつくり、10億人へ電化による豊かさを提供。さらに貧困解消にも貢献することだ。 　
目先の仕事にとらわれていると視野が狭くなり、軸ではなく枠にはまっていることがある。本書はビジネスだけでなく、我々が日々消費・利用するもの、働く先にある価値の本質を問い立ててくる。じわじわと。

若手アーティストの展示を中心とする東京の3つのギャラリーが、合同でギャラリーを立ち上げた。海外からも注目されてきた山本現代、URANO（ウラノ）、ハシモトアートオフィスの3画廊がつくった新しいスペースで、名称は「アノマリー（ANOMALY）」だ。意味は変則、例外、異例など。柿落としのアーティストは、話題の作家集団である「Chim↑Pom（チンポム）」だ。 　
この新ギャラリーは声明を発表。興味深い内容なので一部を紹介する。 「90年代のギャラリーの黎明期は過ぎ、現代美術の成熟期の逆説的な停滞ムードなのか、アートフェアや企画展など国際的な現場に出ていっても起こることは想像の範疇、また国内も美術館での規制や自粛が強くなり、それぞれの役割の限界も感じる昨今です」 　
こうした閉塞感からの脱出の方策が「アノマリー」設立ということか。そのグランドオープンを任せられたのが、海外の国際展などで日本を代表するアーティストとして活動している「Chim↑Pom」だ。卯城竜太、林靖高、エリイ、岡田将孝、稲岡求、水野俊紀の6人組は、2011年東日本大震災の直後に、渋谷駅に展示してある岡本太郎の壁画『明日の神話』に原発事故の絵を描き加え、話題となった。 　
彼らは今回、「都市論」をテーマとした。新宿・歌舞伎町の解体される直前のビルで行われたイベント「にんげんレストラン」の映像を放映。そのビルのコンクリートの床を切り抜き、ビルの残留物を床で挟んだ「ビルバーガー」をギャラリーに持ち込んだり、メンバーの紅一点であるエリイはセメントに自分の尿を混ぜて固めた彫刻を展示。「僕らはむしろクソみたいに誠実に開かれた、もっと『壮大な開放』は何か、そのグランドオープンを画策してみたいと思う」と発表した「Chim↑Pom」。その言を聞き、ますます注目したい展示だと思った。