スイスのギャラリスト、イワン・ワースと、彼の公私ともにパートナーであるマヌエラ、そしてその母ウルスラ・ハウザーが、1992年にチューリヒで創業したギャラリー「ハウザー＆ワース」。家族経営から始動したこのギャラリーは、のちの多角的な取り組みが功を奏し、いまや業界内で屈指の存在感を放つまでになりました。その活動は世界各地に支店を増やし続けるばかりか、ときに著名なキュレーターと手を結んで美術館での展覧会を開催したり、展覧会カタログ、研究書、アーティストブックといったさまざまな出版物を刊行するなど、多岐に渡ります。
　彼らの軸のひとつは、現存する作家のみならず、既に他界した作家の展覧会を開催する点ではないでしょうか。その始まりは、設立初期に遡ります。チューリヒの中心部にスペースを構えていた頃、彼らはアレクサンダー・カルダーとジョアン・ミロの展覧会を開催。これが契機となり、のちに物故作家の財団と協力して展覧会などを企画する独自のスタイルが確立されたのです。
　ハウザー＆ワースの設立20周年を記念して刊行されたこのアーカイブ・ブックは1080ページにもおよび、もはや百科事典さながらの佇まい。彼らと関わりの深い作家をアルファベット順に紹介する各章では、これまでに見たことのない図版の数々はもとより、ごく個人的な記念品や往復書簡、展覧会の会場風景写真といった貴重な資料がふんだんに収録されています。ギャラリーが歩んできた軌跡を余すことなく凝縮したこのボリューム抜群の決定版を通じて、彼らの気概に触れてもらえたら嬉しいです。

巻頭・巻末にはアーティストたちのポートレートが連なります。モノクロで統一されたビジュアルはソリッドな印象で、それぞれの個性が光ります。

ハウザー＆ワースにとって大切なパートナーのひとりでもあるコンセプチュアル・アートの作家、ロニ・ホーン展の告知ポスター。展覧会のみならず、彼女の作品集の制作にも積極的に携わっています。

20年分の年代記に続き、特に重要な展覧会をピックアップして紹介するページも。2001年にはゴードン・マッタ=クラークの展覧会も開催されていました。

　他国に先駆けて1926年に装丁賞「ザ・ベスト・ダッチ・ブック・デザインズ」が設立されたことからわかるように、本のデザインに対して高い意識をもっているオランダ。多くのデザイナーがしのぎを削る中、毎年のようにこの賞にノミネートされている、ブック・デザインのキーパーソンとも呼べる人物がハンス・グレメンです。彼は自身で「Fw：ブックス」という出版社も主宰し、2008年の設立以降、約80冊の本を刊行。そこで行っている特別なプロジェクトが、「Retuen to Sender」（リターン・トゥー・センダー）です。

　グレメンは自身のウェブサイトでも通信販売を行っていますが、受取人が不在だったり住所不明だったりして、本が戻ってきてしまうことが度々ありました。彼はそれらを開梱せず、すべてそのまま保管していたそうです。「Return to Sender」は、この返送された本をそのまま包みごと販売するという企画です。
　グレメンの手がける写真集はコレクターからの評価も高く、30作品以上は既に売り切れて絶版です。新品での入手はほぼ不可能、高いものは古書市場で10万円以上の値が付くほど。そういった入手困難な本を手にいれるチャンスとして、この「Return to Sender」が企画されました。

　包みの中にはレアアイテムかもしれない、絶版かもしれない本が入っています。販売価格は一律ですが、なにが入っているかは開けてみるまでわかりません。入っている本を想像する楽しみに加えて、封筒に何重にも貼られたシールや配達員による書き込み、宛先変更の履歴など、それぞれが経てきた痕跡も魅力のひとつ。誰かの手に渡るはずだった本が届かず、保管されているうちに価値が変わっていったという物語のある「Return to Sender」は、書店で一冊を選ぶ時とは異なる本との出合いを提供してくれます。

返送されたパッケージ。国によって郵便局での取り扱い方法も異なるため、それぞれに違った痕跡が残っています。再配達の度にシールが貼られたのでしょうか、このパッケージには何枚も重ねてシールが貼られています。

「Return reason: Not at home」（返送理由：受取人の不在）。配達できなかった理由が記載されているパッケージも。元の宛先は消して販売します。

中に入っている本の一例。『Cette Montagne C’est Moi』（セット・モンターニュ  セ・モワ）はFw：ブックスの中で最も評価の高い一冊で、現在の古書市場では約15万円で取引されています。

　写真フィルムの現像方式を指す「ダイ・トランスファー・プリント」という言葉に馴染みのある方は、そう多くはないかもしれません。けれど、実は戦後の写真史を語る上で重要な現像方式です。特長は、染料を転写し定着させることによる濃密でクリアな発色のよさ、そして耐久性の高さが挙げられます。これまでウィリアム・エグルストンやアーヴィング・ペンといった、鮮やかな色彩表現で知られる写真家たちが軒並み採用してきましたが、複雑な工程、コスト面の懸念、公害問題などからキットが生産終了。いまは行われていませんが、撮影当時のプリントの風合いや時代感といった言葉では伝えきれない部分を保持しています。
　写真家、トッド・パパジョージ。彼もまた、このダイ・トランスファー・プリントでプリントしていたひとりです。このたび、1960年代後半頃に撮影された彼の初期の作品群が50年余の時を超えて、ようやく一冊の本となって出版されるに至りました。この時期といえば、ベトナム戦争が激化し、一方でポップアートが隆盛した頃。彼は、めまぐるしい時勢の緊張感に影響を受けたのではなく、あくまでもち前の観察眼と勘の鋭さをもって、この時代の兆候をファインダー越しに捉えました。
　あまりにも精彩ですっかり目も心も奪われてしまいますが、よくよく目を凝らしてみると、作品によってはさりげなく文字が写り込んでいることに気付きます。たとえば、ある男性が羽織るレザージャケットの背面には、ベトナム戦争時に米軍基地が置かれた「チュライ・ベトナム」の地名。着用者の思想こそ定かではないですが、この時代の情勢を踏まえてみると、煌びやかで自由な大都市・ニューヨークの遥か遠くで、戦争という現実が確かに存在していることを暗に示しているようにも思えます。控えめだが強い、写真家なりの魂の叫びがいまにも聞こえてきそうです。

　広告と芸術の2分野に親和性がありながら、その間には深い隔たりのある写真の世界。この境界線を越えて活躍した写真家のひとりに、アーヴィング・ペン（1917～2009年）がいます。彼は1934年から美術学校に通い始め、ちょうど同年から『ハーパース・バザー』のアート・ディレクターに着任したアレクセイ・ブロドヴィッチに師事しました。ブロドヴィッチといえば、リチャード・アヴェドンなど数多くの写真家たちを見出した重要人物です。そのブロドヴィッチに学んだことは、彼にとって大きな糧となったのではないでしょうか。卒業後はイラストレーションを手がけたこともありましたが、すぐに写真の才能を開花させ、ファッション誌『ヴォーグ』をはじめさまざまな媒体で活躍、ファッション写真の第一人者として優れた仕事を残しました。そのペンがファッション写真と同様に卓越したセンスを発揮したのが静物写真です。
　ペンの静物写真は花を撮影した『Flowers』がよく知られていますが、芸術写真の文脈で高く評価されているのが『Cigarettes』です。この作品は、道端に落ちていたタバコの吸殻を8×10の大判カメラで接写し、プラチナプリントで印画紙に焼き付けています。ペンは被写体としてあえて価値のないものを選び、芸術へと昇華させました。写真は単なるイメージの複製ではなく、写真そのものに価値が附帯していることを端的に体現した作品です。
　この写真集は、ペンの作品を扱うイギリスのハミルトンズ・ギャラリーから出版されました。マットな紙と諧調の豊かな印刷がプラチナプリントの質感を連想させ、大判の余白を設けたレイアウトが写真に向き合って鑑賞することを促します。作品をどう見せるべきなのか、日常的に作品鑑賞の場をつくり続けているギャラリーだからこそ、生み出せた写真集なのではないでしょうか。

POSTで初めてソール・ライター（1923～2013年）の写真集『Early Color』を扱うことになったのが、確か2014年頃のこと。ウィリアム・エグルストンを筆頭に「ニュー・カラー」を牽引した面々が織りなす、まるで快晴の青空のように抜けのいい写真に心を奪われていた当時の私の眼には、ライターが撮る世界がとても新鮮に映りました。どこか哀愁を帯びた、ずっしりとした濃い色彩は、これまで出会ったどの写真家とも同類項で結ぶことができません。とてもひと言ではその魅力を語り尽くせない。ライターのもつ底力は、ボディーブローのようにじわじわと熟成していきます。写真家として活動する人、写真という表現を愛する人。店頭で本を見てくださるたくさんの人たちに、彼の作品をただ観てほしいとばかりに、しきりに紹介していました。

衝撃的な出会いからはや数年。「念願叶って、オリジナルプリントを見られる！」と、昨年Bunkamuraザ・ミュージアムで開催されたライターの回顧展に、はりきって駆けつけました。展覧会は、写真集だけでは伝わらない、実に多くの驚きや発見に満ちていましたが、なによりも感銘を受けたのは、モノクロのヌード作品『In My Room』シリーズでした。

長年にわたり居を構えた、ニューヨーク・イーストヴィレッジのアパートメントの室内で撮られた写真には、当時の恋人をはじめとする複数の女性が登場します。一糸まとわぬ女性像を捉えるとなると、どうしたって男性の抱く理想が色濃く反映された神秘的な様子や、あるいは情感をそそる官能的なムードが前面に押し出されがちなのですが、ライターのヌード写真はそうした典型的なものではありません。それはきっと、彼女たちが自然体でいるのが伝わるからなのでしょう。お風呂に入り、口紅を塗ったりして、その日最初のタバコを吸う。ひとりは哀愁を漂わせながらコーヒーカップを手に取り、もうひとりは枕でシワになった顔のままひたすら髪を巻く。洋服を着ていることもあれば、脱いでいることもあり、スカートのジップを引っ張っていたり、ブラウスのボタンを外していたり、単に空想していることもあり……。内側にみなぎる生命力がその佇まいへと滲み出ているのがただ眩しく、すっかり魅了されました。

これらの写真集が作成中との情報が入ってきたものの、なかなか刊行のニュースが届かず、待ち続けること1年余り。満を持して、本書が出版されるに至りました。

1950年代初頭から70年代といえば、既にライターは『ハーパース・バザー』や『ヴォーグ』といった錚々たるファッション誌をおもな活動の場として、キャリアを積み上げていた頃に当たります。莫大な予算と多くの人々との協働によって人為的につくりだされた煌びやかな世界に身を置くかたわらで、およそ20年以上にわたり、自身のスタジオの上階で親しい女性たちの無防備な姿を密やかに捉えていました。

ここにはおよそガラクタとも見紛うようなオブジェや型崩れした帽子といった味のあるものがひしめき、影響を受けたであろう日本画やフランスの画家たちの作品集が積まれています。プロフェッショナルな仕事の世界とは対極にあるこの場所が、自分自身を体現する、いわゆる「庭」、あるいは「テリトリー」といった、かけがえのない空間だったのでしょう。

そんなほの暗い室内に差し込むかすかな自然光を頼りにして、親密な間柄だからこそ捉えられた日常的な情景には、ライターの終わりなき美を追求する姿勢がぎゅっと凝縮されています。そもそも彼は洗練された伝統的なヌードには興味がありませんでした。決して完璧な美を求めてはおらず、むしろ欠点を愛してさえいたほど。着飾らない秘められたシチュエーションで彼女たちのあるがままの姿を見つめ、不意に現れるはかない一瞬の煌めきを逃さなかった。その先には、本質的な美しさが映し出されています。

1970年代、ライターは自身のヌード作品集をつくることを計画したものの、生涯のうちに実現することはありませんでした。作家本人にとっても念願の書籍化は、シュタイデル社が誇るモノクロ3色刷りの印刷技術が後ろ盾となり、より光と影のコントラストや粒子感が印象的な一冊に仕上がっています。