現代のメジャーな音楽シーンにおいてエレクトロニックな手法がごく一般的なものとなっているのは、PCや多彩な音楽制作ソフトが普及したことが大きいのだろう。結果として、それ自体に新鮮さは失われてしまった。だがそのことに抗するように、アンダーグラウンドのエレクトロニック・ミュージックにおいては簡単に消費されることのない、より実験的なサウンドが求心力を持つようになっている。 アースイーターを名乗るアレクサンドラ・ドリューチンはニューヨークを拠点とする女性アーティストで、3枚目のアルバムとなる『アイリシリ』をベルリン拠点の実験音楽を得意とするレーベル「パン」からリリースした。抽象的なエレクトロニック・ビートと華麗な弦やハープの調べ、そしてドリューチン自身のダークだが妖艶な響きの歌がせめぎ合うという、おそろしく先鋭的で奇妙な美しさを湛えた作品だ。彼女はビョークからの強い影響を公言しているが、なるほど特定の枠に収まらない独自のアート表現は似ているところもあるかもしれない。しかしアースイーターのエレクトロニック・ミュージックは、ビョーク以上に過激な逸脱を恐れていないように聞こえる。 　
彼女の表現の特異さを知るには、ぜひミュージック・ビデオを見てほしい。挑発的な姿で登場するドリューチンに釘づけになるはずだ。なかでも墓場を舞台にして、常人では考えられない方向に身体を曲げるラストトラック「Claustra」の映像は、攻撃的なビートと陶酔的なヴォーカルとも相まって強烈な印象を残すだろう。そのビデオによく表れているが、身体とテクノロジー（機械）の複雑な衝突がこの作品の重要なモチーフのひとつとなっている。それは我々の現代の生活を示唆するものだ。リスナーは刺激的なサウンドに圧倒されるだけでなく、哲学的な思索にまで導かれるのである。

「一石百鳥」とはまさにこの一冊のこと。日々荒波のように訪れる社会変化や顧客ニーズに対して、注目のスタートアップや大企業がどのようなビジネスモデルを設計したのか、計100例を徹底的に可視化している。 　
近年、デジタルシフト、AI、イノベーション、CSRという単語をよく聞くが、それらを掲げる企業の多くは言葉だけが流行に乗り、その実態は不透明だ。ゆえに個人、組織、社会のすべてがユーザーに可視化される現代で、成功するのは軸がしっかりとしたビジネス。軸とはどんなミッションでどんなテクノロジーを使い、どんな貢献をするかという目的のこと。金儲けの強欲主義でなく、社会に貢献する利他主義が根本にある時代なのだ。 　
実際これまでは、儲けの仕組みやどんな経済効果があるかの定説を示す本が多かった。しかし本書で紹介するのは、利他主義でありながら常識を破る企業だ。フェイスブック、エアビーアンドビー、ウーバー。いまや誰もが知る社会的貢献度も高い大企業だが、ひと昔前は愚かな考えとしか認識されなかった。短期間でどうやってここまで成長を遂げたのか？  　
逆説的ビジネスモデルだ。本書に登場する、アフリカで電気の量り売りをするベンチャー企業のWASSHAを例として挙げよう。日本で電気の利用といえば、契約してから利用した従量課金という定説があるが、電気が届かない途上国はどうなるか？　このビジネスのすごいところは、「前払い式で払った分だけ使う」仕組みをつくり、10億人へ電化による豊かさを提供。さらに貧困解消にも貢献することだ。 　
目先の仕事にとらわれていると視野が狭くなり、軸ではなく枠にはまっていることがある。本書はビジネスだけでなく、我々が日々消費・利用するもの、働く先にある価値の本質を問い立ててくる。じわじわと。

若手アーティストの展示を中心とする東京の3つのギャラリーが、合同でギャラリーを立ち上げた。海外からも注目されてきた山本現代、URANO（ウラノ）、ハシモトアートオフィスの3画廊がつくった新しいスペースで、名称は「アノマリー（ANOMALY）」だ。意味は変則、例外、異例など。柿落としのアーティストは、話題の作家集団である「Chim↑Pom（チンポム）」だ。 　
この新ギャラリーは声明を発表。興味深い内容なので一部を紹介する。 「90年代のギャラリーの黎明期は過ぎ、現代美術の成熟期の逆説的な停滞ムードなのか、アートフェアや企画展など国際的な現場に出ていっても起こることは想像の範疇、また国内も美術館での規制や自粛が強くなり、それぞれの役割の限界も感じる昨今です」 　
こうした閉塞感からの脱出の方策が「アノマリー」設立ということか。そのグランドオープンを任せられたのが、海外の国際展などで日本を代表するアーティストとして活動している「Chim↑Pom」だ。卯城竜太、林靖高、エリイ、岡田将孝、稲岡求、水野俊紀の6人組は、2011年東日本大震災の直後に、渋谷駅に展示してある岡本太郎の壁画『明日の神話』に原発事故の絵を描き加え、話題となった。 　
彼らは今回、「都市論」をテーマとした。新宿・歌舞伎町の解体される直前のビルで行われたイベント「にんげんレストラン」の映像を放映。そのビルのコンクリートの床を切り抜き、ビルの残留物を床で挟んだ「ビルバーガー」をギャラリーに持ち込んだり、メンバーの紅一点であるエリイはセメントに自分の尿を混ぜて固めた彫刻を展示。「僕らはむしろクソみたいに誠実に開かれた、もっと『壮大な開放』は何か、そのグランドオープンを画策してみたいと思う」と発表した「Chim↑Pom」。その言を聞き、ますます注目したい展示だと思った。

この映画は、バスキアが10代最後、共に過ごした人々へのインタビューと、当時のNYの映像で構成される。登場する人物はみな、当時の若者の憤りを通じてNYを思い返していた。たとえば、電車や壁に施されたグラフィティ。これが画廊には見向きもされず、アートとして認められなかったということ。けれど、私はどこかで、「アート界に認められなくても別によくない？」と思ってしまう。 　
彼らが感じていた「断絶」、それを私は本当の意味で理解することはできないのかもしれない。彼らは、決して、「声」を持つことができなかった。今の私達が、当たり前に持つ「声」を。 　
インターネット。個人アカウントが1億ビューを手に入れる時代。誰もが、世界に響く「声」を持っている、今の私達の時代。けれど、あの時代の若者たちには「声」は選ばれし者だけのものだった。発信者とそれ以外の間には、揺らぐことのない「境界線」が存在する。「アート界」といった権威も、それらを作り出す一要素だったのだろう。もちろん、世界に声が届かないなんていうのは、本来なら「普通」のことであるはずだ。ネットがある現代こそが、「全人類発信者」という状況こそが、異様なはず。けれど、思うこと、考えることに、人生を費やしてきた私達は、感情が身体の芯から、全身へと響き渡り、自らの人生を決定付けていくことを知っている。 　
すべてを支配するように蠢うごめく感情が外へ出ようとした途端、まったく届かなくなるというそのことに、本当は不満を抱いてもよかったはずなのだ。ネットがなかった時代、そんなことを望むのは馬鹿げていたのかもしれない。けれど普通なのだと諦めることだって本当は馬鹿げている。彼らはただ純粋に求め続けていた。「声」を。「伝える」ということを。私にはこれは、そんな映画に見えていた。

なぜすべては、まだ消えてなくなっていないのだろうか？　直訳すれば、（たぶん）そんな意味のタイトルが冠された3年ぶりの新作。資料的に寄せられている解説文には、「ディアハンターが新たに完成させたのは現在についてのSFアルバムだ」とあるし、これも訳すと「真夏の死」「誰も眠らない」……「迷彩」「平野」「夜想曲」と続いていく楽曲タイトルの流れから考えても、バンドが明確にコンセプト・アルバムと謳っているかどうかはさておき、極めてコンセプチュアルなテーマを持った作品であることは間違いなさそうだ。メンバーの出で立ちを含め、アーティスト写真も何やら妙だし。 　
ヒントを得ようと、先行公開された「デス・イン・ミッドサマー」のミュージック・ヴィデオを観てみると、映画『マッドマックス』さながらの荒野の一本道を、フロントマンのブラッドフォード・コックスがひとり彷徨っている。テーマは孤独、ということ？ 　
ループするハープシコードの音色が印象的な同曲をはじめ、今作の音楽的な基本軸となっているのは、スペイシーでドリーミーなサイケデリック・ポップ。そこにミニマルなインストや、宇宙船のアナウンスを想起させるスポークン・ワード、祈りにも似た歌唱とサックスのなまめかしい響きの交配、狂気とも言えるほどに感情を増幅加工したボーカルなど、エクスペリメンタルな要素が融合し、頭から通して聴くと、なるほど一編のSF映画か、あるいは奇想天外なロード・ムーヴィーを鑑賞したかのような感覚を抱く。そして再びアルバム・タイトルを踏まえ、テーマを考える。現代物質主義への警鐘？　はたまた、人間社会の極北？　 　
歌詞対訳も未読の本稿執筆時点では、どうにも答えが出てこない。アルバムの到着と、来年1月に開催されるレーベル・メイトとの来日公演を楽しみに待ちたいところだ。