時代はいまから150年以上も昔のことだ。アメリカ内部で北部と南部が対立し、南北戦争が1861年に勃発、1865年に終結した史実は周知のことだが、戦争の最中、リンカーン大統領は11歳の息子のウィリーを亡くしている。腸チフスが原因とされる。一方、戦死者は両軍合わせ62万人を越える。
ひとりの少年の死と膨大な兵士の死を数によって、悲しみの深さを比較することはできないが、南北戦争というアメリカの悲劇に巻き込まれた一人ひとりの悲しみは、息子を亡くし悲嘆に暮れるリンカーンの姿を通し、普遍的により鮮明に描かれることとなる。
これまで多数の南北戦争に関する本が書かれ、またリンカーン伝が書かれてきた。だが、この『リンカーンとさまよえる霊魂たち』は、史実とフィクションを問わず、これまでのいずれの歴史書と伝記と小説を凌駕する書であるように思う。
原題“Lincoln in the Bardo”の“Bardo”とはチベット仏教の言葉であり、死者の霊が次の生を受けるまでの49日の「中有」を指す。その間の幽体（霊魂）の仲間にウィリーが加わり、そこにさまざまな霊魂が生者たちの肉体に入り込み、不思議な交歓が展開する。
物語は108の断章から成り立ち、語り手は実在・非在なるものを合わせて40人を越える。ウィリーの霊魂がさまよう墓地を訪れるリンカーンの姿もまた亡霊のごとく浮かびあがる。濃い霧の中、行き先もわからずに、手探りで異界を歩くような読書体験だ。この不思議な幽玄の世界は悲しみに満ちていながら、ときに諧謔により、読者に笑いを誘い、いつしか私も亡霊のひとりとなってさまよっていることに気づく。その不可思議な魔力がこの書を全米ベストセラーに押し上げたのだろう。名訳だ。

J・R・R・トールキンが描いた地図を眺めながら『指輪物語』を読むと、フロドと仲間たちの旅の風景が浮かび上がり、その遥かなる道のりがリアルな感動として押し寄せてくる。近年発見された『中つ国の建国スケッチ』からは、トールキンがエルフ、ホビット、ドワーフ、人間といった多様な種族と、文化や歴史、住環境を詳細に創造してまずは地図に起こし、そこから壮大な物語を紡いだことがわかる。また残された膨大なスケッチや、色彩も美しいイメージ画からは、彼が優れたイラストレーターであったと知れる。
そんなトールキン原作の映画『ロード・オブ・ザ・リング』の地図が「完成までに1000時間を要した」作品として描かれているのが、一風変わった映画ガイドの本書だ。なにが変わっているかというと、アメリカ人イラストレーターのアンドリュー・デグラフによる映画地図の本である点。地図好きの幼少期を経て映画フリークになった彼は、地図と映画という趣味を融合させ、トールキンが苦手だと語った「物語から地図を起こす」方法で、まず『グーニーズ』の地下洞窟を描いた。さらにヒッチコックの『北北西に進路を取れ』ではグラフィック・デザイナーのソール・バスに触発されてケーリー・グラントの軌跡を加え、『スター・ウォーズ』では主要キャラクター全員の足跡を描き出してみせる。『続・夕陽のガンマン』では米国西部を模したスペインの砂漠でのイーストウッドやリー・ヴァン・クリーフらの攻防、『マッドマックス　怒りのデス・ロード』ではマックスとフュリオサ一行とイモータン・ジョーの死闘……。
何十回と映画を見直し、台詞とサントラを聴きまくり、登場しないロケーションまでもリサーチしながら描いた絵地図を眺めていると、カリスマたちの物語が鮮やかに蘇る。その声までもが、聞こえてくるようだ。

テレビをつけると、軽快なリズムに乗って『ダンシング・ヒーロー』を歌う歌手の荻野目洋子の姿が目に飛び込んできた。彼女のバックには1980年代のファッションに身を包んだ女性たちが踊っていた。この曲は85年にリリースされ、大ヒットした荻野目の代表曲だ。それが昨年、大阪の府立登美丘高校ダンス部が踊る「バブリーダンス」とともにリバイバルした。
こうした現象と関連があるのか、現在、日本の80年代の美術に焦点を当てた『起点としての80年代』展が金沢21世紀美術館で開催されている。参加した作家は時代の寵児的画家だった大竹伸朗をはじめ、森村泰昌、横尾忠則、日比野克彦、舟越桂、宮島達男など19名。実力も人気もある作家たちばかりだ。リアルタイムで作品を見た人間には懐かしさがこみ上げるとともに、当時は気がつかなかった発見もある。
この展覧会は金沢21世紀美術館と高松市美術館、静岡市美術館の共同企画展であり、主催者にはひとつの目論見があった。近年、海外における日本の戦後美術への関心が高い。「具体」や「もの派」、70年頃までの戦後の前衛美術についての展覧会がアメリカで相次いだ。しかしそこに80年代の姿はない。一方で村上隆など90年代以降に登場した作家たちへの関心はあるが、彼らを準備した80年代の影は薄い。いまこそ70年代と90年代の狭間である80年代の美術に注目すべきだ、という主催者からのメッセージは明確だ。
それは、80年代とはインスタレーションという形式や、社会との関係への意識、オルタナティブスペース、メディア・アート、また「ポスト・モダン」をはじめ美術をめぐる多様な視点と議論を生んだ大きな転換期だったという仮説である。「平成」という時代が終わろうとしている日本。時代の無意識は「昭和」末期の「80年代」を思い出そうとしている。

ここ数年、シティポップが一大ブームになっている。1970〜80年代のレコードが再評価されるだけでなく、Suchmosやceroなどの若手もシティポップ的なアプローチで人気を呼び、台湾やインドネシアなどでも当時のサウンドに影響を受けたアーティストが続々と登場している。そしてなんと、ブラジルにも飛び火しているのだ。
ただ、ここで紹介するエヂ・モッタは、けっして流行りに乗ったわけではない。リオデジャネイロ出身の彼は、90年代末にデビューしているが、当初からシティポップのルーツでもあるソウルやAORを取り入れたブラジリアン・ポップを生み出し、この20年間マニアを狂喜させてきた。レコードコレクターでもある彼は、シティポップに限らず日本のポップスに精通しているらしく、数年前の来日公演では大御所ギタリストのデヴィッド・T・ウォーカーと初共演し、そこでなんと山下達郎の楽曲をカヴァーして大いに盛り上げた。また、日本のレコードだけでDJミックスした音源をウェブにアップして話題になったこともある。だから、新作が「シティポップっぽい」といわれても何ら不思議ではない。
実際に、イントロだけを聴くと、「ユーミン？　それとも、角松敏生？」なんて思ってしまうサウンドには、日本のシティポップ・マニアも驚くはず。他にも、スティーリー・ダンやスティーヴィー・ワンダーといった通好みのアーティストを思わせるアレンジにも彼の好みがにじみ出ており、極上のグルーヴィーなポップチューンがこれでもかというくらい繰り出されていく。そして何より、彼の伸びやかでソウルフルな歌声の心地よさは格別。言葉や国籍はこの際気にせずに、新しいシティポップの名盤として楽しみたい一枚なのだ。

シベリウスが交響詩『フィンランディア』を完成させた19世紀末、建築家アルヴァ・アアルトは生まれた。
アアルトとはフィランド語で「波」の意だが、自然から得たインスピレーションを人間のための「自然」へと押し上げる活動を貫いた彼が他界するまで手がけた作品は400以上。こうした巨匠の生涯を俯瞰できる展覧会が開幕する。ドイツ、ヴィトラ・デザイン・ミュージアムでの開催以降、世界を巡回していた話題の内容だ。
若き頃の代表作は、近代建築の旗手としての存在を世に示したパイミオのサナトリウム。細部まで配慮が行き届いたデザインの特色を、本展では病室の再現で目にできる。またマイレア邸やフランスのルイ・カレ邸などの住宅から、晩年の国際的な大規模プロジェクトまで、活動が広く紹介される。
曲木加工が特色の「スツール 60」をはじめとする家具は当時の貴重な品々が多数展示され、こちらも必見。家具に関しては妻アイノらと1935年に立ち上げたアルテック社があるが、自作家具の製造にとどまらず、展示などを通してモダニズム文化を促進しようとの想いを重ねての設立だった。
彼のこうしたヴィジョンそのものを考える時、本展で焦点が当てられている同時代のアーティストとの関係は興味深い。バウハウスで教鞭を執ったモホイ＝ナジ・ラースローをはじめ、ハンス（ジャン）・アルプ、アレクサンダー・カルダー、フェルナン・レジェ……。彼らとの交流と対話がアアルトに影響を及ぼしていたことがわかる。
建築とアートと生活の関係を大切に、生命力を秘めた空間、デザインを探った人間中心主義のモダニズムの実践者。その生涯を、幅広い視点から深く振り返ることでの発見も多い、示唆に満ちた展覧会だ。