メロウなエレクトリック・ピアノ、グルーヴするリズムに絡むベース・ライン、そしてスウィート・ヴォイスで歌われるどこか懐かしい感覚のメロディ。一聴しただけだと1970年代から80年代にかけてのフュージョン・グループやAORシンガーかと思ってしまうのではないだろうか。ルーカス・アルーダの新作『オンダ・ノヴァ』は、ポルトガル語で“新しい波”という意味。このレアグルーヴ的なサウンドにこう名付けるセンスがユニークだ。　
ルーカス・アルーダは、今最も注目されているブラジル出身のアーティストである。2013年に発表したデビュー作『サンバディ』で脚光を浴び、その2年後の2作目『ソラール』でDJたちを狂喜させた。そして待望の3作目となる本作では、さらにそのサウンドを研ぎ澄ませている。モノクロームのジャケット写真も一昔前のシンガーソングライター風だし、その甘い声とモダンなサウンドを聴いていると、マイケル・マクドナルドやネッド・ドヒニーなどを彷彿させるものがある。ヤワなようで実は芯がある。洗練されているのに、どこか男臭い。まさにアダルト・コンテンポラリーなブラジリアン・ポップなのである。　
さらに、彼の作るサウンドにも触れておきたい。たしかにアジムスやデオダートなどの往年のブラジリアン・フュージョンに質感は似ているが、今の耳で聴くとこれらも昨今のクラブ・ミュージックで多用されるビートやシンセ・サウンドに通じるものがあり、まさに『オンダ・ノヴァ』は過去と未来をつなぐ音作りをしているといってもいいだろう。とりわけベキベキと鳴るスラップ・ベースは、今だからこそとても新鮮に感じられる。懐かしいようで新しい。まさに“新しい波”を感じさせる音楽なのだ。

出版ビジネスは、今後どんな道をたどるのか。多くの出版人が抱える漠とした不安と真摯に向き合った一冊である。1996年にニューヨークでアメリカ文学専門誌『アメリカン・ブックジャム』を創刊し、現地で取材を続けてきた日本のジャーナリストが、電子本とオンデマンド本に特化したニューヨークの出版社「ORブックス」のオーナー、ジョン・オークスを長期にわたり取材。出版の未来を切り開くためのカギを、彼の実践をもとに明らかにしていく。
オークスはアメリカの出版ビジネスの最大のリスクは返本制度にあると考えた。書店は一定期間内であれば仕入れた本を自由に返本できるが、そもそも一冊ごとに異なる個性をもつ本は売り上げ予測が立てにくい。一歩間違うと、出版社は大量の在庫を抱える羽目になる。そこで彼が2009年に友人と立ち上げたORブックスは、電子本とオンデマンド本に特化。“返本ゼロ”と“読者への直販”を目指したのだ。
この発想が生粋の出版人であるオークスから出てきたことが興味深い。一流紙の名物記者だった父をもつ彼は、バーニー・ロセット率いるグローブ・プレスで1年ほど働いた後にORブックスを創業、経営者としても出版ビジネスに取り組んでいる。いまの課題は、読者に本の存在をどうやって気付いてもらうか。興味をもつ読者に本の情報をどう届けるのか。メディアの利用も欠かせないが、SNSや動画配信など読者に直接アプローチする方法を模索している。
出版記念講演のために来日したオークスは、著者とともに登壇。アメリカの電子本市場では、大手出版社のシェアが落ち、独立系や個人出版のシェアが拡大傾向にあると明かした。　
出版は今後どんどん変わるのだろう。時代の波をつかんだ本が生き残っていくのだ。

「写真は自分の生そのものとつながっているのだという意識がある。生きるか死ぬかの深い問題として写真がある」
志賀理江子が以前に語ったその言葉の、「深い問題」に興味をそそられる。　滞在制作で2006年に初めて東北を訪れた志賀は、08年秋に宮城県の名取市にアトリエを構えた。ここに住みたい、と決めた北釜の地。最初は「北釜の専属カメラマン」として、地域の催事や行事の記録を撮影していた。やがて東日本大震災が発生。志賀はカメラを手に、人々との対話を重ねながら作品制作を再開していく。
その後彼女は、「人間とはなにか」という考察を進めてきた。自らの実感と体験を経て「かねてからやらなくてはならないと思っていた題材」に取り組むにあたり重要だったこと、それは、「春」に展示することだったという。
向き合ったのは「人間と春」だ。冬から春、私たちは自然の劇的な変化を知る。けれど我々人間もまた自然の一部であり、存在の証しとしての身体がある。こうした人間と自然、さらには宇宙との関係をも洞察すること。あるいは本能やエネルギー、他者との関わりの中で湧きおこる多様な感情、人間の内に潜む情動など、さまざまなものを視覚化する試み。それを志賀は「ヒューマン・スプリング」と名付けた。 「時には残酷にも不気味にも、暴力的とも感じられるようなイメージは、身体のなかに存在する自然、生と死の境界を覚醒させるトリガー」と東京都写真美術館の丹羽晴美は語る。「志賀にとって写真は、『死の裏返しとして浮き彫りにされた生』を確かめるものです」
人間そのものを捉え直そうとし、人々の協力を新たに募っての制作など、約100点におよぶ新作が並ぶ。志賀がこだわる生々しいプリントの質感で等身大を超えるスケールのインスタレーションは気迫に満ち、あふれ出る生命の力に触れる思いだ。

最初に事を成した人物は歴史に名を残す。映画を発明したリュミエール兄弟。有人動力飛行のライト兄弟。そして、月面に降り立ったニール・アームストロング。『ファースト・マン』はアームストロングの公認伝記に基づき、1969年にアポロ11号で月面に到達するまでの9年間を描いた作品だ。
映画は1961年、テスト飛行士のアームストロングがロケット機を操縦する場面から始まる。娘を病で失った悲しみに耐え、彼はNASAの宇宙飛行士に応募。ガガーリンによる初の有人宇宙飛行で米ソの宇宙競争が一層激化し、ケネディ大統領が月への有人宇宙飛行を目指すアポロ計画を発表した年のことだ。
『ラ・ラ・ランド』でアカデミー賞6冠を達成したデイミアン・チャゼル監督の3作目の長編で、主演のライアン・ゴズリングとは前作からの再タッグだ。ふたりが描くアームストロング像は、熟練の操縦技術と不測時にも動じない精神力を備え、私生活では寡黙で家族思いの男。ただし決してひとりの偉業ではなく、科学技術の進歩と大勢の支え、そして仲間たちの犠牲によって達成されたことも語られる。
映像面でも、宇宙が舞台の名作を継承しつつ、最新技術も活用してアームストロングの挑戦をリアルに体感させる。宇宙船の窓からの光景は、NASAから提供された宇宙空間の実写映像を巨大なLED画面に映し出して撮影。ジェミニ8号のドッキング場面では美しいワルツが流れ、キューブリックの『2001年宇宙の旅』を彷彿とさせる。一人称視点のショットは、観客自身が宇宙船に乗り込み、月に降り立つかのような没入感をもたらす。そしてまた、私たちが日々享受している便利な技術も映画のような娯楽も、前例のないことを成し遂げたファースト・マンたちのおかげで存在しているのだと、改めて実感するのだ。

世界的に最も知られた日本の画家といえば、江戸時代後期を生きた葛飾北斎であろう。その北斎の初公開作品を含む約480点で構成された『新・北斎展』が人気を博している。
北斎が描いた『神奈川沖浪裏』が作曲家クロード・ドビュッシーにインスピレーションを与えたとか、「北斎漫画」が19世紀ヨーロッパのジャポニスムのきっかけとなったことはよく語られている。だが、北斎の魅力はそれだけではない。1760年、江戸の端に生まれた彼が、勝川春朗と号して役者絵を描き、宗理と号して肉筆画や狂歌絵本の挿絵を、葛飾北斎と号して曲亭（滝沢）馬琴らの読本挿絵を描いたことなど、最晩年までの多彩な画業を網羅したのが本展だ。
70歳を超えて為一と号して描いた『冨嶽三十六景』のシリーズは、じっくりと見たい作品ばかりだ。さまざまな場所や角度から見る富士山の情景を描いた作品は、何度見ても飽きがこない。なかでも、「グレイト・ウェーブ」と称される『神奈川沖浪裏』の図は、別格中の別格。盛り上がり巨大な波となった青波がいまにも砕け散らんとする一瞬、波に翻弄される船に乗り、まさに波に飲まれて海の藻屑となるかという絶望的な人々の姿と、その光景を超然と眺めているような奥に控えた富士山。そして美しいグラデーションの濃淡を見せる青い海。それらが絶妙のバランスで構成された図は、アンリ・カルティエ＝ブレッソンがカメラで捉えた「決定的瞬間」のようだ。またそれは、歌舞伎役者たちが劇中で生死を賭ける見せ場であり、劇的要素が交差し、頂点に達するクライマックスだ。そこには、当時の歌舞伎や馬琴の読本など、爛熟した江戸文化の劇的想像力に精通した北斎の天才的な視点が存在したのである。