「明確な下絵は用意せず、ここに来てからまず構図になる線だけを壁に直接描いて、そこからディテールを考えていきました。自分の内面世界を森として表現して、そこに2匹の動物を描いています。黒い猫は闇を、白いウサギは光を表していますが、自分の中にある強さや弱さ、喜びや悩み、さらには世界の平和と戦争や幸福と不幸のような一般的な話まで、コントラストをこの２匹の動物に表現しました」

線や点の描き方、輪郭線を描いてからベタ塗りをする方法など、これまで各地で壁面ドローイングを行ってきた大岩の手法は、幼い頃に習得した技術をベースに確立したのだといいます。

「サンパウロに住んでいた子どもの頃は、よくマンガを描いていました。父が手塚治虫の漫画が好きで『鉄腕アトム』や『ブラックジャック』が家にあったのと、ディズニーやマーベルのコミックもよく読んでいたので、そういうマンガをもとにしてインクと筆でモノクロの絵をよく描いていたんです。線の使い方やコントラストの出し方など、教室で習ったわけではなく、すべてマンガをまねしながら覚えました」

子どもの頃は兄弟と絵を描いたり、ものをつくったりして遊ぶのが好きだったという大岩さん。13歳の頃に地域の新聞社が主催する少年向けの絵のコンペに参加し、1等に選ばれたこともあります。

「そのコンペの賞品として、1年間無料で絵の学校に行ける機会がありました。毎週土曜日の朝、他のクラスメートは18歳とか19歳とかばかりで、自分には友達がひとりもできなかった。でも、絵は私が一番上手だったので、先生はいろいろと課題を出してきた。けれどもとにかく通うのが嫌で、絵の学校には絶対に行きたくないと思うようになりました」

絵を描くことは変わらず好きで続けながらも、大学では建築を専攻しました。

「父が家を建てることになって、なにもない土地に家ができあがっていくのを見てすごく面白いと思ったのがきっかけです。学んだことの3分の1はエンジニアリングだったので、水や電気、温度に関するデータを分析したり、力の計算をしたり、建築を通して物事を分析することが学べました。それはすごくよかったですね」

その大学時代、3回にわたりサンパウロ ビエンナーレでアシスタントとして仕事をする機会がありました。日本人アーティストの作品の搬入などを手伝い、横尾忠則や川俣正、ドイツのアンゼルム・キーファーなどの展示を見ながら「自由に表現できる現代アートはカッコいい」と感じたといいます。

「自分がこんなに旅行をすることになるとは想像もしていなかった」という大岩さんが、初めて日本に来たのは20歳の時。大学を卒業したらブラジルを離れて世界を見てみたいという思いがあり、またコロールという大統領の経済政策によって職探しが困難になったブラジルの情勢もあって、バブル期だった日本に行けばどうにかなると東京を目指しました。

「東京に住み始めたのは1991年、25歳の時です。建築事務所の仕事を見つけて、昼は建築の仕事をしながら夜と週末に絵を描く生活を始めました。小さな画廊で個展を開催しながら徐々にキャリアを積んで、30歳を過ぎる頃に美術館のグループ展から声がかかるようになったのが、地味なアート活動の始まりです」

当時は東京の6畳のアパートでアクリル絵具で絵を描いていましたが、30歳で奨学金を得てイギリスで滞在制作をしたことをきっかけに、油絵を描くように。初めて住まいとアトリエを分けて生活を始めた頃で、さらにはイギリスでは古典絵画を見る機会も多く、時間をかけて大きな絵を完成させる油絵に惹かれていきました。

「大きな事件や小さな出来事が起きると、そこに自分はなにかを感じ、すべて自分にとってのインスピレーションになります。移動しながらでも自分の部屋にいても、入ってきた情報は頭の中でイメージが広がったりもするので、映画や本を探してそのテーマについて掘り下げます。その次のステップで、ビジュアルをネットで探したり、自分で写真を撮ったり、あとは足りない部分を自分でスケッチしてみたりしながらビジュアルを組み立てていきます。いろいろなイメージを組み合わせて、物語性のある絵をつくっていくわけです。それは日常の身近な話など個人的なテーマである場合もあれば、環境問題や国の問題など社会的なテーマの場合もある。それを自分の視点で絵にすることが、私の制作の方法です」

制作には、自分が受けた刺激やそこから生まれた感情をビジュアル的に翻訳して作品にする場合もあれば、筆のタッチや新しい色彩パターンを試す場合もあります。大岩さんは「最近は特に戦争や不景気をテーマにするよりも、光や自然を描いた明るい作品が多い」と語っていますが、初期の作品から見返しても、暗い色調に一縷の光が差しているなど、「光」が彼の作品において重要なエレメントとなってきたことは一貫していると言えるでしょう。

「コントラストが強い色使いをするのは、ブラジルで培われた色彩感覚だといえます。自分の作風は時間をかけて変わってきていると思いますが、『自分が生きるうえで目指したい光のイメージを絵に描けるか』というテーマは、長い間あまり変わっていない目的として、自分の中にあるのかもしれません」

大岩さんは2002年に東京を後にして、家族とともに生活拠点をニューヨークに移しました。東京ではアーティストとして安定した生活も見えていましたが、挑戦を続けたいという思いからの決断だったそう。ニューヨークでは1日のベストな時間を制作に充てるために、毎朝8時から夕方6時ぐらいまでアトリエで過ごし、夜7時には帰宅して家族で夕飯を食べるという規則正しい生活を送っています。「物価がすごく高くて住みにくい街だけど、本当の国際都市で、世界中からあらゆる人や物が集まってくる」ことに刺激を受けたと言います。

「大きな展覧会があると、ゲストアーティストとしてフォトグラファーなどに参加してもらうこともありますが、今回の展示では、チャド・キャノンという音楽家による楽曲を展示室に流しています。彼はハリウッド映画のサウンドをつくったりする作曲家なんですが、もっと自分の作品もつくりたいということで、私の絵を10点選び、そのインスピレーションを音楽で表現したいと相談してきました。興味深い提案だったので了解したら、壮大な交響曲を10曲つくり、フルオーケストラにコーラスと300人ぐらいでコンサートを実現したんです。すごいクオリティです。彼はロサンゼルスで30〜40人のオーケストラメンバーを集めてレコーディングもしたので、今回はその10作品のうちの3曲を『第4章：うまくいかない世の中』という展示室で流しています」

これまでに大岩さんは、サイズが大きく、それも人物がほとんど出てこないような絵画を数多く手がけてきました。その背景には、「鑑賞者が画面に入るようにして、作品に描かれた世界を体験してほしい」という考えがあります。実際に作品を前にすると、描かれた光に包まれるような、森の湿度や海の潮風の匂いを感じられるような「体感型」の絵画作品だということが感じられます。今回のチャド・キャノンさんとのコラボレーションが実現した『第4章：うまくいかない世の中』の展示室では、地球上の深刻な問題を突きつけるように、あるいはその先に見えるかもしれない穏やかな世界への希望を感じさせるように音楽が絵画と結びつき、感情を強く揺さぶります。

「アーティストはいつの時代も、その時代の現実を感じながら表現を行なっています。私の場合はビジュアル・アーティストとしてそれをやっていて、チャドはそれを音楽で行なっている。作家だったら文を書くでしょうし、映画をつくる人もいます。人間が人間をどう思っているか、人間が地球をどう思っているか、それをなにかの形で表現しているわけです。私はそれを、アーティストの社会における役割なんじゃないかと考えています」

描き下ろしの壁面ドローイングや展覧会に向けた新作を含む近作を中心に、6章立てで構成した大規模な個展。大岩オスカールさんのアーティストとしての気概を感じるとともに、展示を見終えるころには、作品に描かれた光が自分の胸に入ってきたような温かい感情が生まれているかもしれません。